Stille und Einsamkeit: Die Flucht vor der Informationsflut


Adobe
Hast du schon einmal das Bild einer ruhigen Landschaft betrachtet und dich dabei nach einem Moment des einsamen Nachdenkens gesehnt? Du bist nicht allein.

In einem chaotischen digitalen Zeitalter fehlt es uns oft an solchen ruhigen Momenten. Künstler und Marken reagieren auf diese Sehnsucht nach Fluchten in Stille und Einsamkeit und kreieren damit unseren erster Visual Trend für das Jahr 2018.
Wir beobachten eine wachsende Nachfrage nach Bildern, die Komfort und Regeneration vermitteln; Bilder, die uns zurück in die Natur führen, die zeigen, dass weniger mehr ist. Wir reagieren auf Bilder, die Ruhe bieten – denn sie wirken wie ein Hauch frische Luft für den Betrachter. Sie bieten eine Pause von einer anstrengenden und verwirrenden Zeit.
Cesar Santillàn / Adobe Stock
Der Lärm
Wie Michael Kimmelman, Architekturkritiker der New York Times, es formulierte: Wenn der Geruch im Mittelalter die “unausgesprochene Plage der Städte” war, dann ist unsere Plage heute der Lärm. Nach Angaben der Weltgesundheitsorganisation (WHO) erleben viele von uns täglich ungesunde Lärmpegel, die sich auf alles auswirken, vom Schlaf über die Herz-Kreislauf-Gesundheit bis hin zu Arbeits- und Schulleistungen.
Aber es ist nicht nur der buchstäbliche Lärm, der uns plagt, sondern auch die 24-Stunden-Nachrichten, die Politik und die unerbittliche Anziehungskraft digitaler Ablenkungen. Jüngste Studien zeigen, dass wir fünf Stunden am Tag auf mobilen Geräten verbringen und mehr als zehn Stunden pro Tag Informationen über unsere Bildschirme aufnehmen – das ist deutlich mehr Zeit, als wir mit Schlafen verbringen! Dieser „Always-on“-Lebensstil lässt uns davon träumen, abzuschalten. Kreative Menschen bemerken diese Entwicklung und bieten Lösungen an.
Anna Cor / Adobe Stock
 Stille und Einsamkeit schaffen
Mit den zunehmenden Geräuschen wächst auch unser Bedürfnis nach einem Ort, an dem wir atmen, uns erholen und unser digitales Leben bewusster angehen können. Im Büro sehen wir eine starke Zunahme von allem, von Kopfhörern mit Geräuschunterdrückung bis hin zu Architektur- und Büromöbeln, die Geräusche dämpfen sollen. Kein Wunder – eine aktuelle Studie hat ergeben, dass ein typischer Büroangestellter nur 11 Minuten zwischen zwei Unterbrechungen hat. Kombiniert mit der Tatsache, dass es durchschnittlich 25 Minuten dauert, bis man nach einer Unterbrechung zur ursprünglichen Aufgabe zurückkehrt, und es wird einem bewusst, was eine Oase der Ruhe für unsere Produktivität bedeuten kann.
Navy, eine Design-Agentur in Melbourne, Australien, hat die Suche nach Einsamkeit noch weiter vorangetrieben – sie haben eine tägliche Stunde Ruhezeit eingeführt, in der die Mitarbeiter sowohl online als auch offline schweigen. Das Unternehmen behauptet, dass ihre Teams um 23 Prozent produktiver und deutlich weniger gestresst sind, seit sie das Programm gestartet haben, und, dass sie sogar Freitagnachmittage wegen der Produktivitätssteigerung freinehmen können. Jenseits des Büros wird die Stille zu mehr als nur die Abwesenheit von Lärm, sie entwickelt sich zu einem Luxusgut. Zum Beispiel hat VisitScotland damit begonnen, Touristen anzuziehen, indem es mit Ruhe wirbt, und die Pariser High-End-Dekorshow Maison et Objet stellte vor kurzem Inneneinrichtungen vor – von Vasen bis zu Möbeln –, die dazu gedacht ist, ruhige Räume zu schaffen.
Fran Mart / Adobe Stock
Für die Verbraucher, die sich dem digitalen Rauschen bewusst nähern wollen, hat das Startup-Unternehmen Watermelon Sugar eine App entwickelt, mit deren Hilfe man sich als digitales Selbst darstellen lassen kann, das behaart und unförmig wird, wenn man zu viele digitale Informationen verschlingt.
Stille und Einsamkeit in der visuellen Welt finden
Diese Sehnsucht nach mehr Raum zum Denken und Atmen wirkt sich auch auf die visuelle Welt aus. Denkt nur an Doug Wheelers jüngste Ausstellung im Guggenheim-Museum, in der die Besucher sowohl in buchstäbliche Stille als auch in einen visuellen Eindruck von endlosem, unbesetztem Raum versinken konnte.
In der Welt der Stockmedien reicht der neue Trend von atemberaubenden Landschaften über Momente der Einsamkeit bis hin zu Bildern mit sehr wenig visuellem Rauschen.
Die Bilder des Naturfotografen Sander van der Werf beispielsweise bieten dem Betrachter eine zeitweilige Flucht aus der vom Menschen konstruierten Welt. Während seiner Reise in das schwedische Lappland ertrug Sander harte Bedingungen, campte bei Temperaturen weit unter Null, genoss aber auch “wunderbare, helle, schöne Landschaften und großartige Möglichkeiten für Nachtaufnahmen” fügt er hinzu.
Sanderstock / Adobe Stock
Die Bedingungen selbst erforderten eine Art Simplizität, die Teil dessen sein kann, was wir als Betrachter von Sanders Werk aufnehmen. „Gerade bei langen Wanderungen muss ich das Gewicht meines Rucksacks reduzieren. Das bedeutet, dass ich wählen muss, welche Fotoausrüstung ich einpacken und was ich zu Hause lassen möchte. Ich muss ein Minimalist sein.”
Die Fotografin Julia Nimke verbringt das Jahr ihrer Adobe Creative Residency damit, an entlegene Orte zu reisen und Menschen zu treffen, die in den Kulissen der traditionellen europäischen Volksmärchen leben. „Ich habe mich schon immer für die Abgeschiedenheit und das Alleinsein interessiert”, erklärt sie. Während sie sich außerhalb der Reichweite von High-Tech-Geräuschen bewegt, ändert sich auch ihr Tempo. „Das Finden von Leuten, die ich ohne Hilfe des Internets interviewen und fotografieren kann, hilft mir, einen langsameren Arbeitsablauf aufrechtzuerhalten; es zwingt mich, Zeit in einem Gebiet zu verbringen, um Menschen von Angesicht zu Angesicht kennenzulernen.“ Die daraus resultierenden Bilder erlauben es uns innezuhalten, über unsere digitalen Verhaltensweisen nachzudenken, und zu reflektieren, ob wir wirklich alle diese Informationen so schnell verschlingen wollen.
Wir haben Julia um einen Rat, den sie anderen Künstlern, die die Einsamkeit genießen wollen, gebeten: “Es ist manchmal schwer und man kann sich einsam anfühlen, aber danach kommt ein ganz neues Gefühl des inneren Friedens. Ich habe das Gefühl, dass es wichtiger denn je ist, aus dem Universum des übermäßigen Konsums herauszukommen und sich mit einer minimalen Menge an Dingen zu umgeben, dafür aber mit maximaler Natur oder, was auch immer es ist, nach dem man sich sehnt”.
Julia Nimke / Adobe Stock
Mehr Stille und Einsamkeit
Lust auf weitere Stockbeiträge, die Stille und Einsamkeit umfassen? Dann besucht unsere Adobe Stock-Galerie und folgt uns im Januar und Februar, wenn wir mit Künstlern sprechen, deren Arbeit uns Pause, Ruhe und Raum zum Nachdenken gibt. Und verpasst nicht unsere vollständige Trendprognose für 2018.

Titelbild von Marcel

Évolution de l’animation : du support papier à la diffusion en direct en passant par la 3D

Adobe
L’animation a énormément évolué ces quarante dernières années. Au départ, les animateurs dessinaient tout sur papier — un processus onéreux et fastidieux.
« Il va sans dire que la quantité de travail requise est impressionnante, en particulier s’il faut produire 24 dessins par seconde », indique David Simons, Senior Principal Scientist, Adobe. « Il faut être très compétent pour parvenir à restituer le mouvement et donner vie à un personnage. »
La première révolution dans le domaine de l’animation s’est accomplie avec les images de synthèse et les techniques numériques afférentes. Pour autant, ces nouveaux outils d’animation n’étaient pas exempts de difficultés : complexes à utiliser, rendu et lecture affectés par une mémoire informatique insuffisante… Aujourd’hui, les choses sont différentes. Avec l’essor de l’animation digitale et les progrès réalisés dans ce domaine, les artistes créent des travaux tout aussi authentiques, mais nettement plus vite.
La technologie, conjuguée à la créativité de l’être humain, a contribué à faire évoluer la technique encore davantage.
Des outils comme Character Animator, sorti en 2015 avec Adobe After Effects, ont accentué la créativité des animateurs et marqué un tournant décisif sur le marché. Avec cette solution, les designers peuvent créer un personnage à partir d’un document multicalque dans Adobe Photoshop ou Adobe Illustrator, l’importer dans une scène Character Animator, réaliser les mouvements du personnage devant une webcam, et créer une scène animée en temps réel.

Le tout permet de créer des personnages attrayants, grâce à l’animation en temps réel de personnes ou d’objets concrets.
Animation en direct à la télévision
Un nouveau chamboulement en matière d’animation est en train de se produire. La diffusion en direct est une nouveauté révolutionnaire de Character Animator. Elle a été testée à une heure de grande écoute en mai 2016 après qu’une équipe des Simpsons ait approché Adobe pour intégrer une séquence en direct à sa célèbre série d’animation.
« Apparemment, ils ont cherché “animation de personnages en direct” sur Internet et sont tombés sur nous », précise David.
L’équipe d’animation des Simpsons voulait créer un épisode en direct mettant en scène Homer Simpson en train de prendre des appels et d’y répondre en direct. Pour cette séquence, Dan Castellaneta, acteur qui prête sa voix au personnage d’Homer, est intervenu en direct tandis que Character Animator opérait la synchronisation labiale et les animations.
« C’était très facile de travailler avec Character Animator. J’ai trouvé cet outil souple et très rapide », indique David Silverman, Consulting Producer des Simpsons. « Tout s’est déroulé sans accroc. »
Character Animator a « joué les vedettes » dans d’autres émissions télévisées également, notamment Chelsea et The Late Show with Stephen Colbert, dans lequel des personnages de dessin animé parodiant Donald Trump et Hillary Clinton se sont invités lors de la campagne présidentielle américaine en 2016.
Katherine Isabelle Weber, Lead Animator pour Chelsea, s’enthousiasme des possibilités offertes par l’utilisation de cet outil sur les réseaux sociaux : « Nous créons énormément de contenu numérique qui ne passe même jamais dans l’émission », explique-t-elle. « Disposer d’un outil comme Character Animator nous permet de multiplier les animations dans l’émission, en créant une identité animée distincte des séquences filmées en direct. »
Character Animator est constamment optimisé. Sa version d’avril 2017, par exemple, simplifie les workflows, affinant encore la précision de la synchronisation labiale, et tirant parti d’une interface optimisée pour les espaces de travail, entre autres.
Cet outil ouvre de nouveaux horizons aux animateurs comme à tous les créatifs.  « L’animation est rarement associée à la vitesse et à la simplicité mais Character Animator change véritablement la donne », admet Bill Roberts, Senior Director of Product Management, Adobe. « La réalisation d’une animation traditionnelle de qualité prend énormément de temps. Véhiculer une émotion est aussi complexe que restituer une action ; il ne faut brûler aucune étape dans votre projet de création. »
Le machine learning pour repousser les limites
Le machine learning, concept phare de la sphère marketing, joue également un rôle dans l’animation. Cette forme d’intelligence artificielle permet aux ordinateurs de reproduire l’intelligence humaine et de créer des modèles prédictifs. À mesure que les ordinateurs traitent davantage de données, cette technologie rend l’animation plus intelligente, plus intuitive et plus efficace.
Adobe Sensei, dont les fonctions de machine learning et d’intelligence artificielle sont intégrées à de nombreux produits Adobe, optimise Character Animator de diverses manières. Avec la technologie de synchronisation labiale automatique, par exemple, il écoute une voix et sélectionne automatiquement en temps réel les formes de la bouche adaptées pour animer la marionnette. « Le produit écoute et analyse 66 phonèmes différents — les différents sons dont les propriétés distinctives permettent de distinguer un mot d’un autre —identifie la forme de bouche à répliquer », explique David Simons.
Les possibilités pourraient même évoluer encore davantage sous peu. Project Puppetron, une technologie dévoilée en avant-première à Adobe MAX cette année et basée sur Adobe Sensei, pourrait permettre aux animateurs d’intégrer des styles artistiques à partir de photos de visages.  « Grâce à cette fonction d’animation de marionnette optimisée, vous pouvez utiliser une image — ou même une photo de vous — et Puppetron l’adaptera au style graphique de votre choix et l’animera en temps réel, en fonction des expressions de votre visage », précise David.

L’animation faciale stylisée est une autre évolution intéressante de l’animation digitale.
S’appuyant sur une technologie identique à Project Puppetron, ce projet Adobe Research permet d’appliquer des styles (de portraits, en l’occurrence) à des visages filmés en vidéo et d’obtenir des résultats très naturels.
Ces exemples le prouvent, le machine learning permet de conférer davantage de réalisme aux animations, en donnant aux créatifs les moyens de refléter plus facilement le monde réel dans leurs œuvres.
Une approche collégiale de l’innovation
Toutes ces avancées découlent de l’approche collégiale de l’innovation mise en œuvre chez Adobe, d’après David Simons. « Le groupe de développement produits que nous formons est très petit, mais nous travaillons en étroite collaboration avec les spécialistes d’Adobe Research », précise-t-il. « L’effort d’animation portant sur les personnages est né d’une collaboration entre les pôles Research et Advanced Product Development. Ce mode d’innovation porte véritablement ses fruits. »
Nous avons aussi demandé à David Simons quelles avancées pourraient être mises en avant aux « Sneaks » Adobe MAX l’an prochain. « À l’évidence, le full-body tracking », reconnaît David. « Les algorithmes se perfectionnent à un point tel que le tracking du corps tout entier avec une caméra classique devient suffisamment précis pour être utile. »
« À l’avenir, je ne pense pas que l’animation elle-même soit très différente », conclut David. « Il me semble que les véritables changements interviendront au niveau du processus de création, en le rendant plus aisé et plus accessible au plus grand nombre. Ce qui m’intéresse surtout, c’est de donner à tous les moyens de créer des animations qui ont tout des plus traditionnelles, mais qui sont réalisées de manière totalement nouvelle et moderne. »

성공적인 브랜드 이미지를 이끄는 고객경험


Adobe
경험이 곧 브랜드가 되는 ‘경험 비즈니스 시대’가 도래했습니다. 예전엔 소비가 완성된 재화와 서비스를 구매하는 것이었다면, 지금은 소비(구매) 행위를 둘러싼 경험이 중요해진 것입니다. 스위스 여행을 간 소비자가 ‘유럽의 지붕’ 융프라우에서 컵라면 하나를 먹었다면, ‘라면 맛’ 자체보단, 새벽부터 일어나 눈보라를 헤치고 서릿발 같은 칼 바람을 온 몸으로 이겨내며 정상에 오른 뒤 설원 뒤 편으로 뉘엿뉘엿 지는 해를 바라보며 뜨거운 국물을 들이마신 ‘감미롭고 행복한 추억’을 기억하는 것과 같습니다. 소비자는 이제 더 이상 제품의 성능이나 기능 자체보단 그 브랜드를 둘러싼 이미지와 경험을 기억하고, 원합니다.
이미지란, 소비자가 특정 브랜드를 생각했을 때 떠오르는 그 브랜드만의 고유한 특성(아이덴티티)입니다. 이미지가 중요한 이유는 브랜드가 소비자에게 제공하는 경험이 이미지에 투영돼 있기 때문입니다. 어느 카페의 따뜻한 인테리어 사진을 본 소비자는 ‘이 카페는 굉장히 따뜻하고 아늑할 것 같다’고 생각할 것입니다. 직접 가보지 않았어도, 그 카페가 선사하는 경험을 예측할 수 있는 것이죠. 소비자들이 이미지에 지대한 관심과 열정을 보이는 이유이기도 합니다. 자신이 원하는 경험을 할 수 있기를 바라는 마음 때문에, 자신이 꿈꾸는 것과 조금이라도 비슷한 이미지라면 바로 반응하는 것입니다.
이미지로 소비자의 마음을 사다
이미지와 소비자의 긴밀한 관계를 이해하는 브랜드는 이를 마케팅 전략으로 풀어 내 소비자들의 마음을 얻을 수 있습니다.
레시피를 중심으로 한 푸드 콘텐츠 미디어 ‘아내의 식탁’은 주 타깃층의 취향을 제대로 파악해 승부수를 본 대표적인 사례입니다. 2014년 카카오스토리의 요리 레시피 소개 콘텐츠로 시작한 아내의 식탁은 현재 페이스북, 인스타그램, 유투브 등 다양한 SNS를 통해 140만명 이상의 구독자를 보유한 거대한 플랫폼이 됐습니다.
아내의 식탁은 콘텐츠도 물론 알차지만, ‘요리를 즐기는 여성’들의 마음을 단숨에 사로잡을 수 있는 스타일링이 가장 큰 성공 비법입니다. 아내의 식탁 홈페이지에서 메뉴를 누르면, ‘남편과 둘이서 오봇한 밥상’, ‘여유 가득 주말 홈브런치’ 등 요리를 즐겨하는 여성이라면 누구나 한번쯤은 꿈꿔보고 시도해봤을 테마들이 쭉 나열됩니다. 뿐만 아니라, 레시피별로 요리의 결과가 근사하게 전시 돼 있어 방문자의 클릭을 유도합니다.
이런 카테고리와 디스플레이를 보는 순간, 아내의 식탁의 바나나 팬케익 레시피는 소비자의 뇌리속에서 여유로운 휴일, 햇살 가득한 발코니에서 소중한 사람들과 먹는 것이 함께 연상될 것입니다. 아내의 식탁은 요리로 더 멋진 라이프스타일을 만들고 싶은 고객의 바람을 이해하고, 성공적인 이미지 메이킹으로 ‘그것만은 제대로 줄 수 있다’는 메시지를 확실히 전달한 것입니다.

이미지가 비즈니스에 중요하게 작용하는 또 하나의 사례는 화장품 브랜드 버츠비(Burt’s Bees)입니다. 비즈왁스를 이용해 양초를 팔기 시작하면서 탄생한 버츠비는 ‘자연으로부터 온 제품’이라는 컨셉을 내세워, 전 세계인이 사랑하는 비즈왁스 립 밤을 대표로 다양한 친환경 제품을 만들고 있습니다. 버츠비는 2017년 ‘나는 인조가 아닙니다(I Am Not Synthetic)’ 캠페인을 론칭해, 자연스럽고 당당한 여성들이 버츠비 제품을 사용하는 영상을 선보였습니다. 또한, ‘나는 자연에서 태어났습니다’, ‘나는 투명합니다’, ‘나는 인조가 아닙니다’ 등의 테마로 제품을 설명해 소비자들에게 ‘버츠비 제품은 역시나 투명하고, 자연스러워서 당당하다’라는 고유성을 심어줬습니다. 버츠비는 버츠비만의 진솔한 이미지로 소비자들을 매료시켜 전세계 최고 화장품 브랜드 중 하나로 자리 잡았습니다.
이미지 마케팅에 성공하는 방법
그렇다면, 성공적인 이미지 마케팅에는 무엇이 중요할까요?
첫째, 시각적으로 ‘보여주기’를 잘 해야 합니다. 주 소비층으로 떠오르는 밀레니얼 세대의 주 커뮤니케이션 수단은 단연 인스타그램을 중심으로 한 소셜 미디어입니다. 인스타그램은 모든 메시지가 사진 몇 장으로 전달 되는 것이 특징입니다. 설령 사진이 실제 경험보다 더 황홀하게 촬영 됐어도—그리고 대부분의 사용자들은 그럴 확률이 높다는 것을 인지하고 있음에도—그들은 멋진 사진에 열광합니다. 왜일까요? 사진이 간접 경험의 통로이기 때문이죠. 사진이 멋질수록 간접 경험은 그만큼 더 좋아지는 것입니다. 이처럼 사진이 곧 그 속에 담긴 경험에 대한 이미지인 셈입니다.
때문에, 브랜드는 인스타그램에 멋스러운 사진 한 장만 올려도 마케팅 효과를 톡톡히 챙길 수 있습니다. 몇백만명의 팔로워를 가진 여행 파워 인스타그래머는 완벽한 사진 구도와 소품, 편집 툴을 활용해 여행의 경험을 더욱 아름답게 포장합니다. 왠지 모르게 더 파래 보이는 바다, 더 신비로워 보이는 산, 더 맛있어 보이는 현지 음식 사진을 보며 사람들은 ‘나도 저런 여행을 꿈꾸는데’라고 생각하며 대리만족합니다. 브랜드가 인스타그램 등의 소셜미디어에 고객이 기대하는 경험을 잘 연출한 사진을 게시한다면, 고객들은 브랜드와 더욱 친밀한 공감대를 형성할 것입니다.
둘째, 소비자의 목소리를 빌려야 합니다. 디지털과 모바일의 발달로 소비자들이 브랜드에 대해 의견을 개진할 수 있는 플랫폼이 활성화 됐습니다. 브랜드가 전하고자 하는 이미지에 소비자들이 공감하고 직접 홍보해줄 수 있는 환경이 조성 된 것입니다. 브랜드는 이를 기회로 삼아 소통의 장을 먼저 마련하고, 소비자들의 긍정적인 피드백을 유도할 수 있는 콘텐츠를 지속적으로 제공해야 합니다.
이미지는 단순히 ‘사진’처럼 시각적으로 보여지는 것만이 아닙니다. 소비자들이 단 댓글 하나에도 브랜드 이미지는 좌우 될 수 있습니다. 가령, A라는 의류 브랜드가 페이스북에 새로운 컬렉션을 홍보하기 위한 영상 광고를 하나 올렸습니다. 이를 접한 소비자가 ‘역시 A’라고 게시한 다른 소비자의 댓글을 본다면, ‘A 브랜드 의류는 훌륭한가 보구나’라는 생각을 갖게 될 것입니다.
반면, 같은 소비자가 ‘전 컬렉션이랑 다를 게 없네’라는 댓글을 본다면, ‘A 브랜드는 생각보다 혁신이 없나?’라는 의문을 가질 것입니다. 댓글 하나에도 이를 본 수 많은 소비자는 A 브랜드에 대해 긍정적 혹은 부정적 인식을 갖게 될 수 있습니다. 그만큼 소비자들의 말, 생각 하나하나가 중요해진 것입니다.
소비자들의 참여와 반응을 가장 잘 이용하는 브랜드 중 하나는 스타벅스(Starbucks)입니다. 다양한 소셜미디어 플랫폼을 통해 ‘고객과 소통하는 브랜드’로서의 존재감을 부각시키고 있는 스타벅스는 ‘스타벅스에서 만나요(Meet Me At Starbucks)’ 캠페인을 론칭, 전 세계 28개 도시의 스타벅스에서 만나는 사람들의 모습을 포착한 영상을 공식 유투브에 올렸습니다. 그리고 소비자들이 해당 캠페인에 참여할 수 있도록 인스타그램에서 #HowWeMet 이벤트를 진행한 바 있습니다. 스타벅스는 소비자들이 애인 혹은 친구와 어떻게 만났는지에 대한 자신의 이야기를 게시하게끔 유도하고, 우승자를 선정해 1년 간 스타벅스 커피를 무료로 제공했습니다. 그 결과, 수많은 사람들이 자신의 이야기를 공유했고, 스타벅스가 그들의 이야기를 취합해 페이스북에 공유한 게시물은 21만명 이상의 ‘좋아요’를 기록했습니다. 스타벅스는 이 캠페인을 통해 스타벅스가 만남의 장이고, 소중한 인연이 생기는 곳이라는 인식을 소비자들에게 심어줬습니다. 이처럼 브랜드는 소비자들의 목소리를 빌려 브랜드가 추구하는 이미지를 소비자들에게 더욱 효과적으로 전달할 수 있습니다.
마지막으로, 브랜드는 이미지화 할 컨셉을 고객 삶의 맥락에 맞게 정해야 합니다. 컨셉은 어떤 작품이나 제품 등에서 드러내려고 하는 주된 생각을 ‘개념’으로 순화한 것입니다. 즉, 컨셉이 선물 내용물이라면, 이미지는 그 포장지인 셈이죠. 따라서, 브랜드는 이미지 마케팅을 구상하기에 앞서 컨셉을 신중하게 잡아야 합니다.
박 공유 사이트 에어비앤비(Airbnb)는 조금 더 색다른 여행을 갈망하는 소비자들의 니즈를 파악, ‘여행은 살아 보는 거야’라는 광고컨셉을 잡고 마케팅에 나섰습니다. ‘여행’하면 ‘호텔 예약’이 자동으로 떠오르는 소비자들의 머릿속에 ‘현지인 집’이라는 대안을 통해 여행에 대한 새로운 컨셉을 제시했습니다. 진정한 여행은 수박 겉 핥 듯 관광하는 것이 아니라, 현지인처럼 생활해 보는 것이라고 외침니다. 이를 본 소비자들은 에어비앤비가 자신이 찾던 특별한 여행 경험을 제공해줄 수 있을 것이라 생각해 에어비앤비를 선택하게 되죠. 소비자들이 공감할만한 컨셉을 잡고 그 컨셉을 브랜드 경험에 잘 녹여낸 사례입니다.

사람들은 상품 자체를 원하는 것이 아니라, 상품을 통해 자신의 가치관과 꿈꾸는 라이프스타일을 완성하기를 바랍니다. 각자가 그리는 이상적인 삶의 방식, 혹은 한번쯤은 맛보고 싶었던 흥미로운 세계로 연결되고 싶어하는 것이죠. 이러한 의미에서 이미지는 소비자들의 기대와 경험을 연결해주는 다리입니다. 이미지를 마케팅에 잘 활용하는 브랜드는 소비의 행위가 끝난 후에도 소비자의 마음에 여운을 남기는 브랜드가 될 수 있을 것입니다.

캐릭터를 활용한 이모티콘 제작 노하우


Adobe
애니메이션 네 가지 기본 이론
1. Squash & Stretch

애니메이션 제작에 있어 가장 중요하고 기본이 되는 원리
애니메이션에 등장하는 모든 오브젝트들은 움직이는 동안 늘어나고 줄어드는 것을 반복
Squash & Stretch의 정도에 따라 무거운 혹은 가벼운 오브젝트인가를 확인할 수 있으며, 이것이 적절하게 활용되면 자연스러운 움직임이 가능

2. Anticipation

동작은 ‘동작준비 – 동작 – 동작마감’ 총 3단계로 이루어져 있다고 볼 수 있는데, 이 중 ‘동작 준비’ 단계에 해당
자연스러움을 위해 ‘anticipation (사전준비동작)’이 불어넣어주는 긴장감이 애니메이션에 굉장히 중요한 요소

3. Follow-through

주 동작에 연결되는 부수적인 움직임
예를 들어, 물건을 던질 때 손의 움직임과 같이 캐릭터에 부착된 옷, 머리, 귀 등이 캐릭터의 움직임에 따라 가는 것

4. Ease-in & Ease-out

속도가 빨라지고 느려지는 것
어떤 동작이 진행될 때, 속도가 처음부터 끝까지 똑같다면 어색할 수 있기 때문에 속도를 조절하여 자연스러움을 만들어 냄

 
애니메이션의 기본 원리
애니메이션의 기본 원리는 원화를 잡고, 원화를 쪼개는 동화를 그리는 것이라고 할 수 있습니다. 원화는 키프레임으로 동작의 가장 큰 포인트가 되는 그림을 뜻하고, 동화는 키프레임 사이사이를 쪼개 자연스럽게 연결해주는 그림을 말합니다. 즉 앉았다 일어서는 이모티콘의 경우, 앉고 일어서는 동작 사이사이의 동작들이 동화가 되는 것이라고 볼 수 있습니다.

애니메이션 제작 방법
1. 어떤 이모티콘(애니메이션)을 만들지, 어떤 감정을 표현할지 등의 아이디어를 스케치합니다. (이모티콘의 경우 보통 인사, 감사, 사랑 등의 긍정적 표현이 사용성이 높습니다.
2. 부적절한 레이아웃이 나오지 않도록 정사각형 (360×360 픽셀)캔버스를 만듭니다.
3. Tool 창에서 ‘점선 사각형 도구’ 클릭 후 영역을 클릭하여 전체 복사 및 붙여넣기 ([ctrl+shift+C] + [ctrl+V])를 합니다.
4. Ctrl+T를 눌러 사이즈 조정 설정에 들어가 shift+alt키로, 사이즈를 일정하게 줄인 다음enter키를 눌러 레이아웃을 잡습니다.
5. 썸네일 스케치를 다듬기 위해 연필 느낌 나는 브러쉬를 선택하여 스케치를 잡습니다. (후에 한 번 더 다듬을 것이기 때문에 정교하게 할 필요 없이 형태만 보이게끔 다듬으면 됩니다.)
6. 스케치를 잡았다면 캐릭터 얼굴을 그려줍니다.
7. 폴짝폴짝 뛰는 이모티콘을 제작할 경우 몸통을 움츠렸다가 뛰었다가 하는 모양을 키프레임으로 잡고, 프레임의 숫자에 맞추어 레이어도 같이 생성합니다. (필요 없는 레이어는 삭제합니다.)
8. 앉아있는 그림으로 시작합니다.
9. 다음 이미지 제작을 위해 전 이미지를 참고할 수 있도록 불투명도를 조절합니다.
10. 앉은 그림 후 폴짝 뛰는 그림을 그리는데, 이 때 이목구비 등 다른 부분도 위치를 조정해가며 그리도록 합니다.
11. 방향을 조절하면 이모티콘의 얼굴 및 몸통이 반대 방향으로 움직이는 효과를 줄 수 있습니다. (편집 > 변형 > 가로로 뒤집기)

12. 가로로 뒤집은 그림과 바로 전 동작을 비교해가며 둘이 자연스럽게 이어질 수 있도록 그 사이에 그림을 그려 넣도록 합니다.
13. 동작은 ‘재생’버튼을 클릭하여 확인할 수 있습니다. 이 때 default로 한 프레임 당 5초가 설정되어 있는데, 원하는 대로 길이를 조절할 수 있습니다.
14. 액팅을 반복해서 보고 싶을 경우, 부분의 설정을 ‘한번’이 아닌 ‘계속’으로 설정하여 총 액팅을 확인할 수 있습니다.
15. 중간중간 자연스러움을 더하기 위해 원래 사용했던 레이어를 복사하고 붙여넣기 하여 조금씩 수정합니다. 각 이미지 사이에 새 프레임을 생성해가며 동화를 쪼개서 그리고, 자연스럽게 그림을 연결할 수 있습니다.
16. 모든 동작이 반복될 때마다 루핑을 고려하여 그리면, 새로 그리지 않고 적절한 수로 효과적인 액팅을 표현할 수 있습니다.
17. 라인을 명확히 다듬고 배경 색상까지 설정하면 마무리가 됩니다.
또한, 일러스트레이터에서 스마트 오브젝트를 이용하여 주변에 ‘움직이는 꽃’과 같은 효과, 혹은 텍스트를 삽입할 수도 있습니다. 이와 관련된 자세한 내용은 위의 영상에서 확인하실 수 있습니다.
 
웨비나 실시간 실습 파일

   
(이임경 님 / 원현재 님 / 성지민 님1 , 2)
 
강의: 천혜림

Using a JSON file with the Dropdown widget on the Metadata Schema


Adobe
Have to use where you need to setup a metadata schema with a dropdown widget where the options needed to come from a JSON file? Keep on reading…
First, the JSON file.
The JSON file needs to follow the same structure as below.
{
“options”: [
{
“value”: “en-gb”,
“text”: “English-United Kingdom”
},
{
“value”: “en-us”,
“text”: “English-United States”
},
{
“value”: “fr-ca”,
“text”: “French-Canada”
},
{
“value”: “fr-fr”,
“text”: “French-France”
},
{
“value”: “de-de”,
“text”: “German-Germany”
},
{
“value”: “es-mx”,
“text”: “Spanish-Mexico”
},
{
“value”: “es-es”,
“text”: “Spanish-Spain”
}
]
}

There needs to be an “options” array and each element in the array needs to have a “value” and a “text”. The “text” value is what is displayed to the end user and the “value” value is what is saved in JCR.
Second, where to store the file.
You can upload this file to AEM as an Asset or upload it somewhere as a nt:file. Where its uploaded will define how the widget on the metadata schema needs to be configured.
Lastly, how to configure the widget.
The dropdown widget on the metadata schema lets you define a “JSON Path” property. This property needs to point to the nt:file node of the JSON file.
What does this mean?
If you have uploaded the JSON file as an Asset, this value needs to be set to the original rendition of the asset. For example /content/dam/myproject/myfile.json/jcr:content/renditions/original. If you have upload this file as an nt:file, the path would be something like /etc/myconfigurations/myfile.json.

At the time of writing this blog, there is a known issue where if the content of the JSON file changes, you need to open the schema again and hit save for the new changes to populate. 

Your Path to a Successful Career


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Start 2018 right and begin your year by charting your path to a successful career!

We can’t wait for all the new opportunities 2018 will bring! Share with us what some of your career goals and resolutions are this year by leaving a comment.
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Ein Rückblick auf unsere beliebtesten Visual Trends im Jahr 2017

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Bild auf dem Seitenkopf von Fran Mart
2017 war ein turbulentes, kreatives, faszinierendes Jahr. Bevor wir aber die letzten Reste des vergangenen Jahres zusammenpacken, nehmen wir uns noch einen Moment Zeit, um auf einige unserer beliebtesten visual Trends der letzten zwölf Monate zurückzublicken und bei den Künstlern vorbeizuschauen, die diese Trends in die Welt gesetzt haben.
Geballte weibliche Kreativität
Im März haben wir uns mit Frauen beschäftigt, die sich in der kreativen Welt einen Namen gemacht haben, sei es beim Abbau von visuellen Stereotypen, bei der Neuinterpretation des weiblichen Blicks oder bei der Überwindung von Grenzen in traditionell von Männern dominierten Bereichen.
Eine unserer Lieblingskünstlerinnen dieses Trends, die Illustratorin und Grafikdesignerin Jing Zhang, begeisterte uns mit ihrer lustigen und farbenfrohen Herangehensweise an Infografiken, einschließlich einer bezaubernden Hommage an die Arbeit einer anderen großen Kreativen, der Architektin Zaha Hadid.
Jing erzählte uns vor Kurzem von einem weiteren Lieblingsprojekt des Jahres 2017, das in einer humorvollen grafischen Umsetzung klassischer Cocktail-Rezepte bestand. Im kommenden Jahr will sie in neuen Kartierungsprojekten mitmischen, darunter eine Erkundungstour durch Europa und Ozeanien. Außerdem arbeitet sie an Illustrationen für Retro-Spiele aus den 80er und 90er Jahren. Zudem hat sie sich vorgenommen, ein paar neue Ideen auszuprobieren, darunter Projekte in Schwarz-Weiß, 3D-Infografiken sowie eine Hommage an die Architekten Charles und Ray Eames. Auch über Emojis denkt sie nach: „Eine richtige Geschichte habe ich mir dafür aber noch nicht ausgedacht. Emojis bereiten den Menschen so viel Freude – sogar das Wutgesicht“, so Jing.
Bild mit freundlicher Genehmigung von Jing Zhang
Wie man sich treu bleibt
Im Juni ging es bei uns um Authentizität; wir sprachen mit Künstlern darüber, wie man Momente so festhalten kann, dass sie sich echt, unverfälscht und nicht klischeehaft anfühlen. Der Gestalter Kervin Brisseaux sprach mit uns darüber, wie man Stock-Bilder für authentische Geschichten nutzen kann.
Erst neulich haben wir bei Kervin vorbeigeschaut, um mehr über seine kreativen Ideen für 2018 zu erfahren. „Ich will mehr von meiner eigenen Fotografie in meine Arbeit einbauen. Vor Kurzem habe ich mir eine spiegellose Kamera gekauft. Ich werde das Teil überallhin mitnehmen!“
Bild mit freundlicher Genehmigung von Kervin Brisseaux
Der Schritt in die dritte Dimension
Im August befassten wir uns mit Gestaltern, die 3D-Techniken bei der Arbeit einsetzen. Ingrid Tsy hat uns davon berichtet, wie ihr 3D-Tools und Adobe Stock eine völlig neue Ebene kreativer Freiheit eröffnet haben. Eines ihrer Lieblingsprojekte 2017 war ihr erster Druck in 3D. „Ich habe schon immer die kreative Freiheit geliebt, welche die Zbrush 3D-Künstlern bietet. Die Möglichkeit, organische Formen im Druckverfahren zu greifbaren Gegenstände werden zu lassen, hat mir die Augen geöffnet, zumal ich dabei die diversen Materialien und Drucktechniken kennenlernen durfte“, verrät Ingrid.
Für das kommende Jahr plant sie, mit Künstlern aus sämtlichen Bereichen zusammenzuarbeiten. „Ich habe mit zwei Freunden in London Björks Film ‘The Gate’ gesehen und wir waren absolut begeistert, von der Grafik über die Mode (insbesondere die Masken von James Merry) bis hin zum Produktionsdesign“, schwärmt Ingrid. „Ich wäre sogar bereit, an einem abstrakten Kurzfilm mitzuarbeiten, bei dem verschiedene Mittel zum Einsatz kommen, wie 3D-Drucke, Concept-Art, Illustration und CGI.“
Kreative Köpfe und künstliche Intelligenz
Im November stürzten wir uns in die Welt der künstlichen Intelligenz und des maschinellen Lernens und unterhielten uns mit Künstlern, die künstliche Intelligenz für ihre Arbeit nutzen oder als Inspirationsquelle betrachten.
Einer unserer Lieblinge unter diesen technikinspirierten Künstlern war Sebastien Hue. Die Inspiration für seine düsteren, stimmungsvollen Arbeiten zieht Sebastien aus Videospielen und Science-Fiction-Filmen. Sebastien erzählte uns, dass sein Lieblingsprojekt des Jahres 2017 die Arbeit als Konzeptkünstler für ein französisches Entertainment-Studio war. Im kommenden Jahr will er mehr Zeit in der dritten Dimension verbringen und in einer anderen Welt: „Ich komme zurück zu 3D, um meine Abläufe zu beschleunigen. Wahrscheinlich werde ich auch einen Anlauf wagen durch mehr Arbeit im Fantasy-Bereich aus meiner Komfortzone herauszukommen“, verrät Sebastien.
Folgt mit uns den kreativen Trends im Jahr 2018
Haltet euch über unseren Blog über alle Trends, die 2018 aufkommen und sich weiterentwickeln werden, auf dem Laufenden. Einen kleinen Vorgeschmack auf die Highlights im diesem Jahr findet ihr in der Vorschau auf Adobes Visual Trends 2018.

Adobe Stock Vídeo: Novidades do nosso último ano


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2017 foi um ano incrivelmente excitante para a plataforma vídeo, com a produção e o consumo de conteúdo de vídeo mais alto de todos os tempos. Estudos Nielsen relatam que pelo menos 54% da população em geral assistiu a um vídeo curto nos últimos três meses. Só o YouTube possui mais de um bilhão de usuários, o que representa quase um terço do total de pessoas na internet, e coletivamente, eles estão consumindo mais de 500 milhões de horas de vídeo todos os dias.
A plataforma vídeo não é apenas um espaço para criadores de conteúdos, ele está também se tornando prioridade para marketeiros e publicitários, e o mercado de publicidade está esperando ainda uma expansão de 20% nessa área em 2018.
O time da Adobe Stock tem se focado na entrega de produtos e serviços para ajudar os criativos com esse boom da demanda de vídeos. Chegamos a um novo marco de 5 milhões de clipes em nossa coleção de vídeos, estabelecemos novas parcerias, introduzimos uma integração do Premiere Pro CC para nossos colaboradores e lançamos um novo tipo de conteúdo. Aqui estão alguns dos destaques de 2017 no Stock vídeo:
Novas Metas e Parcerias
Em abril nós anunciamos a nossa parceria com o provedor líder de videos Pond5 para incorporar a sua ampla coleção de clipes de filmagem no Adobe Stock. Agora, nossos clientes têm acesso a esses clipes diretamente de seus aplicativos favoritos da Adobe, incluindo Premiere Pro CC e After Effects CC. Com essa coleção da Pond5 encontrar o clipe correto no Adobe Stock será mais fácil do que nunca. Hoje, nossa biblioteca contém 5 milhões de clipes com mais de 1,5 milhão deles em 4k, e continuaremos a construir e aumentar a nossa coleção em 2018. Com milhares de clipes chegando todos os dias, você não terá problemas em encontrar as últimas tendências em vídeos no Adobe Stock.

Templates de Motion Graphics
Na Adobe nos orgulhamos de criar as melhores ferramentas para facilitar a vida dos criativos. Isso significa estar profundamente conectado às necessidades da nossa comunidade. Quando vimos a necessidade de ativos comerciais de alta qualidade, lançamos a coleção Premium. Quando vimos a crescente importância do design 3D para designers 2D, lançamos recursos em 3D integrados ao Adobe Dimension. E quando vimos a necessidade de gráficos e animações de filmes de qualidade profissional para vídeos, introduzimos os templates de Motion Graphics.
Criados pelos principais artistas de motion graphics no mundo, esses títulos, transições, animações e muito mais, são personalizáveis ​​diretamente no Premiere Pro CC para uma edição mais rápida e eficiente. Juntos com a nossa extensa coleção de clipes, esses templates têm o objetivo de levar a criação de conteúdo para um nível muito superior.

Novidades sobre os Colaboradores
Temos uma diversa comunidade de colaboradores ao redor do mundo e todo o nosso conteúdo advém dessa talentosa rede. Nossa integração dentro do Premiere Pro CC permite aos nossos colaboradores fazerem o upload diretamente do app do portal do colaborador do Adobe Stock, facilitando o processo e reduzindo o tempo até a venda do material.

Nós também estamos aceitando videos curtos e longos, logo, os nossos colaboradores têm mais flexibilidade em relação ao conteúdo que querem submeter ao Adobe Stock. Para saber mais sobre as últimas novidades e dicas para submeter o seu material e como ganhar mais com os seus vídeos, visite a nossa página de Dicas e Suporte.
À medida em que o mercado de vídeos continua a crescer nos próximos anos, esperamos melhorar as nossas ferramentas, construir grandes coleções e estabelecer o Adobe Stock como o melhor destino para encontrar um conteúdo de vídeo único, envolvente e de alta qualidade.
Seja você também um contribuidor de vídeos Adobe Stock!
 

Através Dos Olhos Do Mundo: A Previsão de Tendências Visuais Para 2018 Da Adobe Stock


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Com 2018 começando, a equipe da Adobe Stock já está de olho no que está por vir. Temos seguido as discussões sobre artes visuais pelo mundo, desde apresentações e galerias, até campanhas de marcas, e nossa própria coleção de imagens, para reunir uma lista das maiores tendências visuais para ficar atento(a) neste ano.
Nossa previsão de tendências visa dar às marcas e aos artistas uma ideia do que tem chamado a atenção dos consumidores em um mundo que muda tão rapidamente. “Como artista, especialmente, é fácil sentir-se isolado no seu trabalho. Tendências podem te dar confiança, e dados, sobre onde o interesse está crescendo e o porquê”, explica Brenda Milis, Chefe de Serviços Criativos e Tendências Visuais na Adobe. “Para artistas, e também marcas, tendências são uma ferramenta imprescindível. São um olhar sobre onde estamos como cultura, e como mundo, para que se possa realmente entender o que faz uma imagem ressoar”.
Aí vai uma primeira olhada nas tendências que estamos prevendo para 2018:
Silêncio e Isolamento
A medida que começamos um novo ano, estamos focando na importância da renovação e da reflexão. Em nosso mundo, com interações digitais constantes e esmagadoras, pesquisas sugerem que o silêncio é uma das ferramentas de produtividade menos valorizadas. No entanto, o barulho incessante do dia-a-dia, só intensifica nosso desejo por paz e isolamento. Para considerar como esta tendência está impactando o cenário visual, vamos explorar imagens que respondem ao nosso desejo por quietude e contemplação, e vamos conversar com artistas que conseguem extrair inspiração criativa da solidão.
BLEND IMAGES / ADOBE STOCK
Veja imagens de Silêncio e Isolamento no Adobe Stock.
O Eu Fluido
A própria ideia de identidade está mudando, e artistas estão trabalhando para representar as novas maneiras como nos percebemos. “A identidade é muito menos permanente e estável do que costumava ser”, explica Brenda. “Apenas considere o fato que o Facebook agora tem 71 opções de gênero. Existem infinitas permutações da identidade individual. Há alguns anos atrás, pessoas falavam sobre raça, etnia, e então tipo físico, habilidades e idade. Agora, estamos observando o Eu Fluido – a identidade como uma gama vasta e mutável de ideias que devem ser celebradas”. Ao examinarmos esta tendência, consideraremos como as marcas estão adaptando-se às definições emergentes do eu, e conversaremos com artistas cujo trabalho está contribuindo para eliminar algumas das maiores lacunas de representatividade.
HILDE ATALANTA / ADOBE STOCK
Veja imagens do Eu Fluido no Adobe Stock.
Multilocalismo
As viagens e a tecnologia estão transformando o mundo em um lugar menor, fazendo com que nos tornemos uma única cidade global, interconectada. As pessoas estão priorizando exploração e experiências em vez de posses materiais, dissipando as fronteiras entre negócios e aventura quando viajam a trabalho e expondo um anseio por experiências autênticas. Marcas estão tentando acompanhar, com a esperança de alcançar consumidores tanto como cidadãos locais quanto globais. Ao considerar esta tendência, exploraremos como artistas e marcas estão abraçando um mosaico de experiências culturais, e abordando esta reforçada conscientização global dos consumidores.
CAVAN IMAGES / ADOBE STOCK
Veja imagens de Multilocalismo no Adobe Stock.
Realidade Criativa
Momentos conturbados sempre deixam sua marca no mundo da arte. “Estamos vivendo em uma época em que há tanta incerteza, tanta coisa em movimento. Muitas pessoas estão tornando-se politicamente ativas, mas também há um tipo de criatividade que vislumbra o escape”, explica Brenda. “Estamos vendo mundos idealizados, alternativos – eles são exuberantes, tropicais, quase utópicos. Há uma reverência pelo mundo natural, mas com uma intensidade, uma reviravolta quase psicodélica. Estes artistas estão clamando para que consideremos o que é belo, e o que é vivo”. Ao mergulhar neste tema, conversaremos com artistas criando mundos de fantasia com texturas excêntricas e experiências hipersensoriais, unindo natureza e a imaginação humana.
WOLTERKE / ADOBE STOCK
Veja imagens de Realidade Criativa no Adobe Stock.
História e Memória
Em tempos incertos, olhamos o passado em busca de fundamentação e significância. Estamos observando enquanto um grupo de artistas e marcas busca inspiração nas artes clássicas, trabalha para preservar e celebrar o que é preciso do passado, e constrói pontes entre técnicas do velho mundo e tecnologias do novo. Conversaremos com artistas sobre o interesse restabelecido em história como fonte de inspiração e como eles combinam o velho e o novo para unir essa conversa cultural.
ELENA IV-SKAYA / ADOBE STOCK
Veja mais imagens de História e Memória no Adobe Stock.
Toque e Tatilidade
Nossos dias estão cada vez mais moldados por telas e dispositivos em vez interações táteis, do mundo real. “Para compensar essa perda, estamos vendo um esforço incrível dos artistas em direção a conexão literal, o toque real e a estar na mesma sala com alguém de verdade”, conta Brenda. “Isso está em todas as partes – pense na tendência em comprar tênis de pano. É um convite à experiência sensorial. As pessoas estão respondendo a qualquer coisa que tenha a ver com contato direto. No mundo visual, isso tem tudo a ver com demonstrar conexões, seja através de imagens com texturas mais ricas ou pessoas olhando diretamente para a câmera para criar um momento pessoal, firme com o expectador”. Observaremos imagens que nos convidem a conectar-nos, e conversaremos com artistas sobre como eles capturam textura e toque em suas imagens.
ROOM THE AGENCY / ADOBE STOCK
Veja imagens de Toque e Tatilidade no Adobe Stock.
 Junte-se a Nós Enquanto Desvendamos 2018
Siga-nos no Blog Creative Cloud em 2018 a medida que olhamos mais de perto cada uma destas tendências, consideramos o contexto global mais amplo onde elas estão se desenvolvendo, e conversamos com criadores de imagens e designers que estão moldando nosso mundo visual.
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Bilingual Events Deliver Seamless Experience

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To continually enhance the value of the care delivered to citizens, the Canadian Foundation for Healthcare Improvement (CFHI) unites government and healthcare stakeholders to identify best practices. Distance learning is a crucial tool for accomplishing organizational objectives in the world’s second-largest country.
Funded by the Government of Canada, the non-partisan Foundation conducts quality improvement “collaboratives” to share, spread, and scale up evidence-based, patient-centered practices. The foundation has used distance learning, including CFHI live “On Call” webinar events and self-paced education, for more than ten years.
“When we upgraded to Adobe Connect in 2013, the cost savings were spectacular. We could pay for a full-year’s license for Adobe Connect for what it previously cost to produce a single webcast,” says Kelly Ripley, Digital Media and Online Learning Specialist, Canadian Foundation for Healthcare Improvement.
While other solutions could only support concurrent events in French and English, with Adobe Connect CFHI can seamlessly deliver bilingual events using breakout room where participants can view primary content in their preferred language. The approach keeps audiences integrated and lets them benefit from sharing a common experience.
Adobe partner Dialog Conferencing helps make sure CFHI is getting the most out of Adobe Connect by helping to expand usage while simplifying event preparation. The Foundation is also realizing cost savings of nearly $1,000 per participant by eliminating unnecessary travel expenses. https://adobe.ly/2kY3ljR