Kyle Webster’s Brush with Adobe


Adobe
If you’re an illustrator and don’t know Kyle T. Webster’s work, you may actually be familiar with his brushwork. Founder of KyleBrush.com and international award-winning illustrator, Kyle’s custom-made brushes are the world’s best-selling Photoshop brushes. And during Adobe MAX last year, we announced that all of Kyle’s 1,000+ brushes would be exclusively available to Creative Cloud members. And even better—that Kyle would officially be joining our team!
Today, Kyle is a Design Evangelist on the Adobe Design team and working on a variety of projects, all while making a big impact. When I ask Kyle what his day-to-day looked like as a Design Evangelist—an ultimately ambiguous job title—I was surprised to hear about the scope of his work.
“I deal with the illustration audience and I’m an ambassador to that community. That means I will soon be live streaming frequently and creating tutorial videos. But I also work with our product teams to help prototype and test new software. For the Adobe Capture team, I help improve their UI for brush and pattern creation. And I work with marketing teams to help brand our drawing and painting apps at Adobe.”
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He pauses. “Oh! And I’m still making brushes!”
“That’s a relief!” I say. “How is that process even like?” I ask.
“My brushes are always made from one of several places. Sometimes it’s when I’m working on something and realize I can work more efficiently with a custom brush. Other times it comes out of me playing around. I’ll combine random textures and shapes and sometimes I get something really cool.”
A dream come true
When you talk to Kyle about his work you can tell he’s passionate about it. And a key word keeps popping up—play. He explains to me that a lot of his creativity stems through playing, and that inspiration comes in a variety of ways.

Then, I can’t help but think about what led him to pursue an opportunity at Adobe in the first place. After all, with more than ten years as a successful freelance artist, joining Adobe was a big career shift.
“To put it simply, I felt that I reached a point where I wasn’t growing anymore. I couldn’t continue to move beyond that point without more collaboration or resources. I wanted to help shape and change actual advancements in drawing and painting software, and that wouldn’t be possible without Adobe.”
And luckily, he’s felt like he’s made the right choice. Looking back, he tells me that it was less of a question of if he should join Adobe, but when.
“You know, it’s funny. When my daughter was born nine years ago, I was telling my wife that if someday I decided to work for a company, I would want it to be at a place where I would be able to do cool things. I named three of my dream companies and Adobe was one of them!”
How Adobe Design embraces play
As for what the best part is about working for Adobe, Kyle was all about the direct impact he gets to make. “I really wanted to make a difference for illustrators. I’m one of them and I want to make it better for them. Now I can! I can influence those big decisions. As part of the Adobe Design team, anyone can present an idea, and you have people who help make it happen.”
The Adobe Design team is made up of over 160 designers, engineers, researchers, program managers, writers, and makers. Their mission is to create smart, sophisticated applications for a wide variety of devices, and their expertise ranges from interaction and visual design to research, information architecture, and programming. It’s an environment fostered by diverse thinking and experimentation, which is exactly what makes the Adobe Design team unique, says Kyle.
“The team values experimentation. We’re all playing here, but in a productive way. In my opinion, innovation and creativity comes out of a combination of play and experience. There’s so much of that here.”

It’s in this environment that Kyle is allowed to really be inspired and work with a creative and collaborative team. For those looking to join Adobe, Kyle couldn’t be more clear with his advice and what to expect.
“Make sure you know how your passion can be brought into your work. That’s how you keep coming to work and making valuable contributions. Adobe seeks out those people and wants to help you forge a fulfilling career.”
Before we part ways, I ask him one last question—as an artist, where does he get his best work done?
“Actually, the best place for me is in the shower! It turns off every part of my mind except for random thoughts,” he says.
I laugh. You really never know where you’ll find inspiration.
Design the career you’ve always wanted and apply for opportunities today on our career site.

Adobe Live im April: Drei Tage Inspiration und Tipps zu Video und Motion Design


Adobe
Video ist dank Streaming, YouTube und Social Media enorm gefragt und so vielseitig wie noch nie. Die kommende Ausgabe von Adobe Live zeigt das volle Programm: Vom Storytelling über Animation bis zu Schnitt und Spezialeffekten.

Echte Profis. Echte Projekte. In Echtzeit.
Erlebt Video und Motion Design in Aktion. Schaut den Profis bei der Arbeit mit Adobe Premiere Pro und After Effects über die Schulter: Mit dabei sind diesmal Spezialisten für Animation und Postproduktion, Filmemacher und YouTuber, die virale Hits gelandet haben.
An drei Tagen den kostenlosen Livestream einschalten – und Fragen im Chat stellen!
 
Vom 17. bis 19. April erlebt ihr die Experten mit spannenden Hands-on Projekten in unserem Livestream. Dabei könnt ihr jederzeit Fragen per Chat stellen und so interaktiv beim Online-Workshop mitmachen!
Die Moderation übernehmen dieses Mal übrigens Can Döner und Rufus Deuchler von Adobe.
Nicht verpassen und gleich hier per Kalendereintrag vormerken und erinnern lassen!
Unsere Gäste und Sessions im Einzelnen vorgestellt:
 10-12 Uhr: Animation und Motion Design mit Cris Wiegandt
Die Brasilianerin Cris Wiegandt (aka CRIZILLA) lässt aus allem, was sich zum Basteln eignet, Welten durch Stop Motion entstehen. Die Regisseurin, Animatorin und Designerin hat schon als Team-Leaderin für Coca-Cola, Ben & Jerry’s, Disney, Pepsi, Panasonic und Evian gearbeitet.
Nach ihren Stationen in Hamburg und Barcelona lebt Cris (aka CRIZILLA) jetzt in Berlin, nennt sich selbst eine freiberufliche Bastelqueen und Bilderbewegerin. Aus buntem Papier und allem was sich zum Basteln eignet, entstehen Welten, in denen Space Shuttle aufsteigen, Eiscreme von Bäumen fällt und Teddybären tanzen – durch Stop Motion in Bewegung gebracht. Als engagiert begeisterte Regisseurin, Animatorin und Designerin besticht sie bei ihren Projekten immer auch mit einem tollen Team, vorzugsweise Frauen aus aller Welt, und bezaubert als Team-Leaderin Kunden wie Coca-Cola, Ben & Jerry’s, Disney, Pepsi, Panasonic und EVIAN.
12-14 Uhr: Visual Effects und Storytelling mit Shawn Bu
Shawn Bu landete mit seinem Kurzfilm „Darth Maul: Apprentice – A Star Wars Fan-Film“ mit 16 Millionen Views allein bei YouTube einen viralen Hit. Der leidenschaftliche Filmemacher realisierte mit seiner Produktionsfirma Raw Mind Pictures schon Werbespots für Schwarzkopf und Fanta.
Shawn Bu verfolgte sein Ziel Filme zu machen seit seiner frühen Kindheit mit großer Leidenschaft. Er studierte nach dem Abitur Kommunikationsdesign mit Schwerpunkt Regie an der Fachhochschule Aachen. Während seines Studiums arbeitete er als Regisseur aber auch als Kameramann, Cutter und VFX Artist an zahlreichen Kurzfilmen und Musikvideos sowie Werbefilmen mit. Seine Arbeit zeichnet sich besonders durch den starken Fokus auf visuelles Storytelling und den geschickten Einsatz von Visual Effects aus. Als Abschlussarbeit reichte Shawn den Kurzfilm “Darth Maul Apprentice” ein und landete damit einen viralen Hit. Mit aktuell über 16 Millionen Views auf YouTube erntete der Streifen weltweit große Anerkennung und wurde für unzählige Preise nominiert und gewann den Webvideo Award 2016. Jüngst gründete Shawn mit seinem Bruder Julien Bam und seinem Kumpel Jannik Siebert seine eigene Produktionsfirma “Raw Mind Pictures”, mit der er bereits an diversen Werbespots, unter anderem für Fanta oder Schwarzkopf, realisiert hat und aktuell an einer Serienentwicklung arbeitet.
14-16 Uhr: Filmschnitt und Farbkorrektur mit Dennis Vogt
Der Filmemacher, Editor und Colorist Dennis Vogt hat für Produktionsfirmen wie Soup-Film, Ondili Lodges, Activitys und Stern TV gearbeitet. Gerade erst hat der Freelancer für Adobe in der Antarktis gedreht.
Dennis Vogt ist ein 25 Jahre junger, freiberuflicher Filmemacher aus Bremerhaven, dessen Fokus auf Dokumentar und Werbefilm liegt. Inzwischen lebt er bereits zwei Jahre von seiner großen Leidenschaft und konzentriert sich voll und ganz auf das Filmemachen. Nachdem er zwei Dokumentationen in Afrika produzierte, suchte er nach der nächsten große Herausforderung: Die Antarktis. Zusammen mit seinen Kollegen Tim David Müller-Zitzke und Michael Ginzburg machte er sich im November 2017 auf den Weg, um einen Kinofilm über ihre Reise zum Südpol zu drehen. Mittlerweile stecken sie Mitten in der Postproduktion. Ganz nach seinem Motto „einfach mal machen“, wird er im Stream Teile vom Film schneiden und einen Einblick in den Workflow seines 90-minütigen Films geben.
 16-18 Uhr: Videos für YouTube mit Can Günaydi 
Can Günaydi alias justCaan dreht YouTube-Videos im Bereich Comedy und Entertainment. Der YouTuber mit über 300.000 Abonnenten ist ausgebildeter Grafiker und hat sein Hobby zum Beruf gemacht.
Can Günaydi, auch bekannt als justCaan, ist 1996 geboren und in Mannheim aufgewachsen. Von dort aus dreht er YouTube-Videos im Bereich Comedy und Entertainment. Ganz nebenbei hat er seine Ausbildung zum Grafiker abgeschlossen und macht sein Hobby zum Beruf. Neben witzigen Kurzfilmen liebt er es zu fotografieren und zu zeichnen.
 Und hier noch einmal alles zusammengefasst:
Wann:

17. bis 19. April 2018
täglich von 10 bis 18 Uhr

Teilnahme:
Speichert euch schon jetzt den Link zu unserem kostenlosen Livestream auf www.adobelive.com. Zudem könnt ihr euch für eine Terminerinnerung anmelden und zwar hier.
Wir sind jetzt auf Instagram! Folgt @adobecreativecloud_de und zeigt uns unter dem Hashtag #AdobeCreativeCrowd, was ihr draufhabt!

“Monkey Business” feiert eine Million Verkäufe – und das ist erst der Anfang


Adobe
Der Markt der Stockbilder kann große Herausforderungen mit sich bringen. Die Nachfrage wächst immer weiter, aber es erfordert jahrelange praktische Erfahrung und viel Geduld, um herauszufinden, welche Inhalte sich richtig gut verkaufen. Doch wenn man das Terrain kennt und die nötige Zeit investiert, um den Markt für sich zu nutzen und aus seinen Fehlern zu lernen, kann sich das in finanzieller und kreativer Hinsicht auszahlen. Monkey Business, eine Stock-Agentur mit Sitz in Großbritannien, hat genau das getan. Und gerade gab es etwas zu feiern: eine Million Verkäufe bei Adobe Stock.
ID: 190848625
Schon lange bevor Gründerin Cathy Yeulet mit Monkey Business begann, war sie im Content-Bereich unterwegs. In den frühen 2000er Jahren gründete sie die lizenzfreie Premium-Stock-Sammlung BananaStock und verkaufte sie vier Jahre später für einen satten Preis an JupiterImages.
Als die Gültigkeit der Wettbewerbsklausel für Cathy abgelaufen war, hatte das Geschäftsumfeld der Stock-Branche sich vollständig geändert. Cathy beschloss, ihr Glück auf dem Gebiet des Microstock zu versuchen. Heute gibt sie zu, dass das damals ein riskanter Schritt war, aber die Entscheidung erwies sich schließlich als richtig. Es begann mit fünf Leutchen im Haus von Cathys Familie. Inzwischen produziert ein zwölfköpfiges Team mehr als 10.000 Bilder und Videos im Jahr.
Das Geheimnis des Erfolges von Monkey Business liegt darin, zu verstehen, welche Art von Inhalten funktionieren: Lifestyle-Fotos von echten Familien aus verschiedenen ethnischen Gruppen. „Wir haben eine tolle Formel für Planung und Produktion neuer Inhalte entwickelt“, sagt Cathy. Monkey Business investiert sowohl in lokale, als auch in internationale Aufnahmen, um authentische Sammlungen aufzubauen, die zu den Zielmärkten passen.

Monkey Business war bei der Umsetzung aller Entwicklungsschritte der Branche ganz vorn dabei. „Angesichts der ständig steigenden Bedeutung von Videos für Konsum und Werbung war klar, dass dieses Produktionsgebiet interessante Möglichkeiten bieten würde“, erklärt Cathy. Vor fünf Jahren begann Monkey Business, mit Video zu experimentieren, und seitdem wurden große Investitionen in diese Richtung getätigt. Heute gibt es ein eigenes Video-Team und Cathy erwartet auf diesem Gebiet das größte Wachstum. Es sieht danach aus, als würde die Nachfrage in den kommenden Jahren noch weiter steigen: Bis zum Jahr 2020 sollen Videos 75 % des gesamten mobilen Datenverkehrs ausmachen.

Der Video-Boom ist nicht die einzige Veränderung im Stock-Business, die Monkey Business erlebt hat. Laut Cathy sind die Stock-Kunden insgesamt anspruchsvoller, was die Bilder angeht: „Die Kunden schrauben ihre Erwartungen hoch, wenn sie nach Content suchen, nach hoher Qualität, nach einzigartigen Bildern, mit denen sich eine Geschichte auf visuellere Art erzählen lässt.“ Und weil die Erwartungen nun einmal steigen, wird es für die Anbieter immer wichtiger, ihre Portfolios weiterzuentwickeln und den Bedürfnissen des Marktes anzupassen.
Es mag sich beängstigend anhören, aber ständige Weiterentwicklung ist von entscheidender Bedeutung. „Man muss weiter Bilder machen, seine Fertigkeiten verfeinern, in größere Produktionen investieren und dabei ständig dazulernen“, rät Cathy. Analysiert eure Verkäufe nach Trends bei Themen und auch nach saisonalen Trends. Lernt aus euren Rückschlägen. „Vor allem aber muss man Spaß an der Sache haben.“

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Wenn ihr auf der Suche nach mehr Tipps oder nach rechtlichen und technischen Richtlinien seid, dann ladet unseren Contributor Guide herunter und schaut euch weitere Verkaufsschlager unter den Fotos und Videos von Monkey Business auf Adobe Stock an.
Titelbild von Monkey Business.
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Digital durchdacht – Meyle+Müller und seine IT-Tochter apollon setzen auf die elektronische Unterschrift


Adobe
Der mittelständische Medien- und IT-Dienstleister Meyle+Müller und seine IT-Tochter apollon nutzen systematisch die Chancen der Digitalisierung. Schritt für Schritt werden daher auch nahezu alle Dokumentenvorgänge mit Adobe Sign auf die elektronische Unterschrift umgestellt.
Digitalisierung ist kein Prozess, der nur große Unternehmen etwas angeht. Die Meyle+Müller GmbH+Co. KG (M+M) beweist, dass auch Mittelständler die digitale Transformation mit Bravour stemmen und von ihr profitieren können. Der Spezialist für Medienproduktion aus Pforzheim unterzeichnet immer mehr Vertragsdokumente auf elektronischem Wege statt auf Papier mit Tinte oder Kugelschreiber. Die Entscheidung fiel dem Unternehmen sehr leicht. Denn dem technologischen Wandel stand es in seiner über hundertjährigen Geschichte schon immer aufgeschlossen gegenüber. Von einem Handwerksbetrieb im grafischen Gewerbe hat sich das Unternehmen zu einem modernen Dienstleister entwickelt, dem Weltmarken vertrauen.
Mit über 350 Mitarbeitern in mehreren eigenständigen, hochspezialisierten Tochterunternehmen und Geschäftsbereichen gehört die Meyle+Müller Gruppe heute zu den großen und innovativen Mediendienstleistern in Deutschland. Sie steht für modernste Lösungen, Workflows und Systeme für die Omnichannel-Medienproduktion.
Hauptgeschäftsfelder der Gruppe sind die High-Volume Medienproduktion, Creative Services, Fotografie, CGI inklusive Postproduction sowie Packaging und Medien-IT. Zur Gruppe gehören vor allem das IT-Tochterunternehmen apollon in Pforzheim sowie die Hanse Reprozentrum GmbH in Hamburg und das Consulting-Unternehmen Think Open in Ulm. Daneben betreibt Meyle+Müller offshore-Produktionsstandorte in Bulgarien und in Thailand.
Für Kunden auf effiziente Weise Medienlösungen zu schaffen, ist eine große Stärke von M+M. Dies geht aber nur, wenn innerhalb des Hauses selbst so effizient wie möglich gearbeitet wird. Daher gehört es zum Selbstverständnis von M+M und apollon, immer wieder zu prüfen, wie sich die Unternehmen mithilfe neuer Technologien und Prozesse verbessern können. Mit der Einführung der elektronischen Signatur  verschlanken die Unternehmen ihren internen Verwaltungsaufwand enorm.
Arbeitsverträge per Mausklick statt auf Papier unterschreiben
Seit September 2017 sind M+M und apollon dazu übergangen, Zug um Zug das Vertragswesen auf die elektronische Signatur umzustellen. Den Anfang haben Arbeitsverträge gemacht. „Arbeitsverträge haben wir als Bereich identifiziert, den wir mit Adobe Sign besonders zügig umstellen können, weil hier keine Formulare zu erstellen, sondern nur wenige Felder zu bearbeiten sind“, erklärt Atessa-Lena Wächter, als HR Assistant in der Personalabteilung von Meyle+Müller für das Recruiting zuständig.
Alle Dokumentenprozesse rund um Arbeitsverträge erledigt die Personalabteilung nun komplett über die Weboberfläche von Adobe Sign. Das gilt sowohl für die Verträge von neuen Mitarbeitern als auch für Änderungen an bestehenden Verträgen. Mehr als einen gängigen Browser braucht keiner der Beteiligten dafür.
Nach dem erfolgreichen Vertragsgespräch erstellt Atessa-Lena Wächter ein individuelles Vertragsdokument am Computer. Anschließend versieht sie es in der Weboberfläche von Adobe Sign mit Feldern, in denen die Unterzeichner ihre Signatur hinterlassen. Danach legt sie die Reihenfolge der Unterzeichner fest und startet den Prozess. Als nächstes treffen nacheinander eine E-Mail beim Jobkandidaten und bei der Geschäftsleitung ein. Das Arbeitspapier unterzeichnet der Empfänger entweder per Tastatur am Desktop-Computer oder mit der Fingerspitze bzw. einem Digitalstift auf dem Display des Smartphones oder Tablets. Dies lässt sich auch schnell und einfach unterwegs erledigen.

Damit Atessa-Lena Wächter alle laufenden Prozesse im Blick behält, listet die Weboberfläche diese übersichtlich auf. Automatische Erinnerungen helfen dabei, Verzögerungen zu vermeiden. Rechtliche Bedenken hat das Unternehmen nicht, da der Gesetzgeber die elektronische Signatur für solche Fälle als gleichwertig erachtet.
Außerdem protokolliert Adobe Sign den Signaturverlauf im Detail. Auf diese Weise wird das Zustandekommen der Unterschrift für jedermann nachvollziehbar und der Vorgang lässt sich gerichtsfest beweisen. Dass eine Unterschrift auf dem Handy grafisch mitunter nicht ganz so gelingt wie mit Tinte auf Papier, spielt dafür keine Rolle. Sollten Jobkandidaten dennoch ein mulmiges Gefühl haben, könnten sie sich weiterhin für eine Unterschrift auf Papier entscheiden. Diese Wahl überlassen M+M und apollon den Unterzeichnern.
Von dieser herkömmlichen Variante wird seit der Einführung der elektronischen Signatur aber nur noch selten Gebrauch gemacht. „Die Geschwindigkeit der elektronischen Unterschrift mit Adobe Sign hat praktisch alle Beteiligten bisher restlos überzeugt. Viele Kollegen freuen sich, dass sie den Vertrag nicht mehr als Papierkopie in einen Ordner einsortieren müssen, sondern ihn bequem auf der Festplatte speichern können“, berichtet Atessa-Lena Wächter.
Digitalisierung als strukturierter Prozess
Für Meyle+Müller und apollon war es von Anfang an keine Frage, ob die Unternehmen vom großem Potenzial der Digitalisierung profitieren können, sondern vielmehr, wie sie sich sinnvoll digitalisieren können, erklärt Norbert Weckerle, Geschäftsführer bei Meyle+Müller und Geschäftsführender Gesellschafter bei apollon. „Die Digitalisierung ist keine Angelegenheit, die die Firmenleitung im Handstreich entscheiden kann. Daher war es uns wichtig, dass viele kluge Köpfe in und außerhalb des Unternehmens in einem gemeinsamen Prozess Ideen und Vorgehensweisen entwickeln. Adobe hat uns als langjähriger Partner bei diesem Wandel mit großem Verständnis für unsere Bedürfnisse beraten“, berichtet Norbert Weckerle.
Statt in blindem Aktionismus zu verfallen, haben M+M und apollon in Workshops über Chancen und Hemmnisse beim Digitalisieren von bisher analogen Prozessen diskutiert. Dabei haben sich die Entscheidungsträger von den Vorteilen der elektronischen Signatur mit Adobe Sign überzeugt. Dass diese Entscheidung teambasiert gefällt wurde, hat den Change-Prozess erheblich erleichtert. Von den Workshops im Juni 2017 bis zur Einführung der elektronischen Signatur im September 2017 vergingen nur knapp zwei Monate. Das ist eine außergewöhnlich schnelle Einführung einer solchen Lösung, die allerdings auch durch die einfach zu realisierende Implementation von Adobe Sign begünstigt wurde.
Mehr Zeit für anderes und Vorteile für Employer Branding
Der neue Prozess rund um Adobe Sign verschafft der Personalabteilung eine nicht zu unterschätzende Zeitersparnis. „Was früher drei bis vier Tage dauerte, erledigt sich dank des Prozesses mit Adobe Sign meist innerhalb weniger Minuten“, erklärt Atessa-Lena Wächter. Auch die Materialeinsparung ist beachtlich. Wird die Unterschrift elektronisch abgewickelt, entfällt nämlich auch der Ausdruck einer Vereinbarung. Das spart bei jedem Dokumentenprozess insgesamt bis zu 20 Seiten Papier. Das ist einer dieser vielen kleinen Vorteile der Digitalisierung, die in der Summe zu einer zeitgemäß effizient aufgestellten Unternehmensführung beitragen.
Neben den reinen Vorteilen für die Betriebsabläufe profitiert auch die Markenbildung der Unternehmensgruppe von der Digitalisierung des Personalwesens. „Mit elektronischen Vertragsabschlüssen können wir Bewerber schon vor dem ersten Arbeitstag von unserer modern ausgerichteten Unternehmenskultur überzeugen“, betont Alice Kirstein, Assistentin der Geschäftsleitung bei Meyle+Müller. „Bei uns ist es während der postalischen Unterzeichnung von Arbeitsverträgen immer wieder vorgekommen, dass Bewerber abgesprungen sind. Das passiert jetzt nicht mehr, da wir dank des elektronischen Unterschriftsverfahren in Adobe Sign die Verträge sehr viel schneller unter Dach und Fach bekommen“, ergänzt Atessa-Lena Wächter.
Adobe Sign für Dokumentenprozesse im ganzen Unternehmen
Neben Arbeitsverträgen kommen auch Dokumentenprozesse in vielen weiteren Unternehmensbereichen für den Einsatz von Adobe Sign infrage. Nach dem erfolgreichen Projekt im Personalwesen wollen Meyle+Müller und apollon die elektronische Unterschrift in naher Zukunft ebenfalls für Kunden- und Lieferantenverträge verwenden. Auch dieses Vorhaben ist keine Entscheidung aus dem Bauch heraus, sondern Ergebnis des von allen Unternehmensbereichen getragenen Change-Prozesses. „Wir werden immer digitaler. Die große Akzeptanz, die der Einsatz der elektronischen Signatur im Rahmen von Adobe Sign erfährt, zeigt uns, dass wir auf dem richtigen Weg sind“, sagt Alice Kirstein.

Automatizando nuestras imágenes


Adobe
Autor: Marcelo Monzón
Entre los profesionales de la fotografía, la palabra automático, es mala palabra.
Si bien cada día es mayor la cantidad de fotógrafos que prefiere sacar fotos en automático, aun es mal visto entre los fotógrafos de antaño. Sin embargo, por suerte, este pensamiento está cambiando.
Pero ¿qué pasa entre los profesionales del retoque? Es peor aun. No por el hecho de usar algo automático, como con los fotógrafos, sino porque realmente no saben como funcionan las opciones automáticas de Photoshop, y consideran que funcionan mal.
Veamos una opción automática que nos puede sacar del apuro al momento de sacar nuestras fotografías.
El preconcepto es algo muy dañino, ya sea en nuestra vida cotidiana así como en lo profesional.
En el caso de Photoshop, durante años, por no decir siempre, he escuchado “NO USES LAS OPCIONES AUTOMATICAS, SON HORRIBLES”.
Recuerdo cuando hace muchos años atrás trabajando en un medio periodístico muy famoso de la Argentina, comencé a retocar las fotos utilizando las opciones Auto de ajustes.
Mis colegas no podían entender porque a mí me quedaban bien y a ellos súper mal.
Obviamente porque si bien Photoshop es mágico (claro que si) a veces necesita una mano para hacer su magia.
Si no preparamos al programa para que sepa que es lo que deseamos, no podemos quejarnos que no hace lo que queremos.
Esta intro viene a raíz de que yo también caí en el error de criticar una acción automática por no entender, en aquel momento, como tenía que trabajar con ella.
Allá por fines de la década de los 90, en un viaje a Brasil, quise hacer una panorámica de la Lagoa Rodrigo de Freitas.
Cuando quise usar la opción automática Panorámica, como no tuve los recaudos necesarios al tomar las fotos, el resultado no fue el esperado.
Muchos años después, tuve la necesidad de realizar una fotografía para el restaurante de un amigo.
Como no tenía suficiente tiro (distancia entre la cámara y lo que necesitaba fotografiar) pensé: Hago tomas parciales y las uno con la opción Panorámica. Obviamente me había olvidado de mi “mala experiencia” anterior.
Cuando me senté a retocar las imágenes me vinieron a la mente las imágenes de Rio de Janeiro.
Lo primero que sentí fue un miedo a que el resultado fuese malo.
Ahí recordé que cuando saqué las imágenes desde el Cristo Redentor, no había tomado el recaudo de sacarlas con trípode o de cuidar que el horizonte estuviese, siempre, más o menos a la misma altura.
Aclaro que cuando hablo de horizonte no me refiero a la línea que se ve a lo lejos en las fotos de paisajes. El horizonte en este caso es la línea imaginaria que se tiene que considerar, principalmente, en las imágenes que servirán a montajes y que tiene como punto medio la “mirada” del observador, en este caso del lente.
Por eso antes de hacer el montaje del restaurante, quise ver si con el comando Alinear capas automáticamente [Auto-Align layers] podía solucionar aquella vieja panorámica que quise hacer en mi visita a la Cidade Maravilhosa.
Antes de continuar quisiera aclarar que las fotos son en baja calidad porque, en aquel momento, eran lo máximo que se podía sacar con una cámara digital NO profesional. Era apenas una cámara de 1 Mp.
Lo primero que hice, siguiendo con los comandos automáticos, fue abrir todas las imágenes dentro de una sola.
Para hacer esto fui al menú Archivo/Secuencias de comandos/Cargar archivos en pila [File/ Scripts/Load Files into Stack] y, en la ventana que se abre, buscar todas las imágenes que quiero formen parte de la panorámica.

Para ser honesto, no recuerdo si en aquel momento existía la posibilidad de alinear automáticamente las imágenes directamente desde esta ventana.
Pero más allá de que existiese o no esta opción, es preferible usar otro comando para hacerlo ya que se puede tener más control sobre el resultado final.
Por eso no tildo esta opción.
Tampoco la de crear un Objeto inteligente [Smart Object] porque en este caso no me serviría.
En otro tutorial veremos donde sí es muy útil tildar esa opción.
Una vez que tenemos todas nuestras imágenes en diferentes capas, las seleccionamos todas, pulsando la tecla Mayúsculas [Shift], y, desde el menú Edición/Alinear capas automáticamente [Edit/Auto-Align layers], dejamos que Photoshop haga su magia.
En la ventana que se nos abre, tenemos una serie de opciones.
Las de la parte superior son diferentes maneras de colocar, y distorsionar, las imágenes para lograr una panorámica más precisa:
Automático [Auto]: Analiza las imágenes y aplica una transformación en perspectiva o cilíndrica a las capas, más allá de cambiar su posición de ser necesario.
Perspectiva [Perspective]: Aplica una transformación de perspectiva, sesgo y escala sobre las imágenes para que se acoplen correctamente. La imagen central permanecerá intacta, el resto se ajustará a la misma.
Collage [Collage]: Permite mover, rotar y escalar cada imagen.
Cilíndrico [Cylindrical]: Como en el caso de la opción Perspectiva, la imagen central no se modifica, pero el resto se transforma mostrándose como un cilindro abierto verticalmente. Esta opción es muy aconsejable para panoramas amplios.
Esférica [Spherical]: Parecido al la opción anterior, pero muestra la imagen como en el interior de una esfera.
Cambiar posición [Reposition]: Cuando las imágenes están tomadas sin ningún tipo de perspectiva esta opción es la más adecuada. Reconstruye el resultado moviendo las capas seleccionadas haciendo coincidir sus bordes superponiéndolos.
Generalmente utilizo la opción Automático, salvo raras ocasiones donde necesito mayor o menor distorsión de las imágenes.
Las opciones de Corrección de lente [Lens Correction] son para corregir aberraciones ocasionadas por las lentes, como por ejemplo las viñetas o diferentes tipos de distorsiones de lente, ya que la mayoría de las cámaras graban los metadatos en cada imagen dándole a Photoshop la información necesaria para realizar las correcciones automáticamente.

Una vez que hacemos click en Ok, Photoshop hará todo el trabajo por nosotros.
Sin embargo, en apariencia, el resultado no es el deseado.

Ahora es donde ocurre la verdadera magia.
Sin deseleccionar las capas, volvemos al menú Edición [Edit] pero esta vez hacemos click en Fusionar capas automáticamente [Auto-Blend Layers].
En la ventana que se nos abre, seleccionamos la opción Panorama [Panorama].
Esto no porque sea una panorámica sino por los algoritmos que Photoshop utiliza para realizar la fusión de capas.
La opción Apilar imágenes [Stack Images] se utiliza cuando se realizan fotos con diferente profundidad de campo (se generan diferentes desenfoques) por lo que Photoshop hace un mapeamento de la imagen utilizando las diferentes partes de todas las fotos para unificar el foco.
Y ya que estamos utilizando las ventajas de la automatización de Photoshop, tildemos también las opciones Tonos y colores homogéneos [Seamless Tones and Colors] y Áreas transparentes de relleno según contenido [Content Aware Fill Transparent Areas].
La primera unificará los tonos entre las distintas imágenes. Si observan la imagen anterior verán cómo se notan las uniones por los diferentes tonos del cielo.
La segunda le dirá a Photoshop que rellene según contenido los espacios vacios.
Veamos el resultado final.

Lo interesante de las opciones automáticas es ver las máscaras que Photoshop realiza.
Jamás se me ocurriría hacer una máscara de esa forma y con esas características pero, como se puede ver, los resultados son fantásticos.

Veamos ahora el caso del restaurante de mi amigo.
Como pueden ver las fotos son completamente diferentes entre sí.

En este caso no use la opción Automático [Auto] porque el resultado final no fue el mejor. Así que utilicé la opción Collage.
Probé todas y la que aparentemente mejor resultaba era Cambiar posición [Reposition] pero cuando le aplique el comando Fusionar capas automáticamente [Auto-Blend Layers] el resultado fue muy malo.

Por eso es importante hacer pruebas y no quedarse con la receta ya que lo que funciona en una imagen, probablemente en otra no lo haga.
Para lograr el resultado que verán en la siguiente imagen utilicé otros comandos automáticos pero eso lo dejamos para otro tutorial.

Espero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.

Crear imágenes mono, bi, tri o cuatri cromáticas


Adobe
Autor: Marcelo Monzón
Cuando pensamos en imágenes monocromáticas lo primero que se nos viene a la mente son las imágenes en blanco y negro.
¿Por qué monocromáticas las blanco y negro si son a dos colores? En realidad son a un solo color: Negro. El blanco es el papel donde se copia o imprime la fotografía. Por eso en Photoshop se las llaman imágenes en  escala de grises.
Pero, ¿Qué pasa con las imágenes impresas a un color sobre papel colorido? ¿son mono o bi cromáticas? Echemos un poco de luz en el asunto.
Cuando comencé a escribir el titulo me encontré ante la disyuntiva de cómo llamar este tutorial, ya que la idea era hablar de imágenes monocromáticas a dos colores.
No. No estuve de juerga antes de escribir estas líneas.
Generalmente (en realidad siempre pero veremos porqué puede ser que a veces no) las imágenes monocromáticas son impresas a un solo color. Comúnmente negro.
Pero en algunas ocasiones, para lograr imágenes más artísticas, se pueden imprimir en papeles de color, por lo que esas imágenes monocromáticas se volverían bicromáticas.
Por eso es que Photoshop nos permite hacer separaciones de color directamente en tintas Pantone®, por lo que podemos crear monocromías (bicromías, tricromías y cuatricromías) especificas y crear las películas o chapas para ese tipo de separación.
Para aquellos que no saben cómo se hace aquí les hago un pequeño resumen de como:

Convertir nuestra imagen a escala de grises (Imagen/Modo/Escala de grises [Image/Mode/Graysacle]).
Una vez realizado el paso anterior volvemos al menú Imagen [Image] y seleccionamos la opción Modo/Duotono [Mode/Duotone].
La ventana que se nos abre podemos seleccionar, de los menús desplegables (Preseteo [Preset] y Tipo [Type]) si queremos usar un estilo ya preseteado o crear uno nosotros mismos.
Si seleccionamos uno de los cuatro últimos, debemos seleccionar una tinta Pantone®. Eso lo logramos haciendo click en el cuadrado de color que queremos modificar. Luego podemos editar la curva de ese color, en el cuadrado a la izquierda del color seleccionado, para ajustar la incidencia del mismo en la imagen final.
Luego de colorear nuestra imagen debemos guardarla en formato EPS para que al aplicarla en Illustrator, o InDesign, los colores seleccionados aparezcan en la paleta de Color.

Crear policromías
Pero Photoshop nos ofrece más herramientas para poder crear imágenes entintadas.
Tal vez el proceso que voy a explicar sea uno de los que más veces me sacó de apuro allá por los años 90.
Además esta técnica también es muy utilizada por los retocadores profesionales, no para crear imágenes creativas y artísticas, sino para unificar tonos, principalmente para lograr tonos de piel más uniformes.
Luego de abrir nuestra imagen, si bien no es necesario, es conveniente convertir la misma en una imagen blanco y negro. Podemos utilizar alguno de los métodos explicados en el tutorial “Las claves del blanco y negro (Parte II)”. De hecho allí, el paso 14 sugiere utilizar la técnica que estamos viendo en este tutorial.
Una vez que tenemos la imagen en escala de grises le aplicamos una Capa de ajuste de Mapa de degradado [Adjustment Layer > Gradient Map], desde el icono del circulo mitad negro, mitad blanco, que se encuentra en la ventana Capas [Layers].
También podemos hacerlo desde el menú Imagen/Ajustes/Mapa de degradado [Image/Adjustments/Gradient Map], pero al utilizar este comando desde este menú, estamos haciéndolo de manera destructiva, o sea, no podemos volver atrás y editar los colores, mientras que con una capa de ajuste podemos volver cuantas veces queramos a editar los ajustes y valores.
Una vez que seleccionemos el comando se nos abrirá la ventana de Propiedades [Properties] donde podemos, haciendo click en la barra del degrade, donde podremos editar el mismo. Esto lo podemos hacer agregando marcadores o editando los existentes haciendo click en ellos. Al hacerlo se nos abrirá el Color Picker donde podremos seleccionar el color que deseemos.

La ventaja del Mapa de degradados [Gradient Map] es que lo podemos utilizar en el modo Normal, pero también podemos modificar su modo de fusión por cualquiera de la lista logrando excelentes efectos.

También desde el engranaje, que se encuentra en ángulo superior derecho de la ventana Editor de Degradado [Gradient Editor], podemos seleccionar diferentes degradados. Les aconsejo probar los degradados Viraje fotográfico [Photographic Toning] que reproducen las diferentes tonalidades fotográficas de imágenes “monocromáticas”.

En este ejemplo la capa de Degradado se aplicó directamente sobre una foto color
Bonus
Si bien este bonus no tiene que ver puntualmente con el viraje a una imagen monocromática, muchas veces suele ocurrir que cuando le alteramos los tonos, o colores, a una imagen la misma pierde el contraste y la diferencia tonal entre colores.
Recuerdo una anécdota, a fines de los años 70, donde un fotógrafo me indicó que pintase unas manzanas de azul.
Como las fotos serian en blanco y negro, la diferencia tonal entre manzanas rojas y verdes (más allá de su forma y piel) sería imperceptibles, ya que dentro del rango dinámico los rojos y verdes compartes un determinado espacio del espectro, por lo cual al pintar las manzanas de azul, en la toma final la diferencia entre los “rojos” y los “verdes” era bien marcada.
En el retrato los labios casi parecen del mismo color que la piel. En el más oscuro (modo de fusión Multiplicar) se nota un poco la diferencia, pero no es tan grande.
Para lograr marcar la diferencia entre estos tonos lo ideal es, luego de haber realizado la selección correspondiente, crear una Capa de ajuste [Adjustment Layer] de Niveles [Levels] y, sin modificar ningún valor, modificar el modo de fusión de Normal a Multiplicar [Multiplay] si queremos oscurecer o a Trama [Screen] si queremos aclarar.
En la siguiente imagen utilicé Multiplicar [Multiplay] para los labios y Trama [Screen] para los dientes.

Quiero agradecerle al fotógrafo Diego Guidobono, y a la bailarina y modelo Romina Rebecchi, por la amabilidad de proveerme las imágenes utilizadas para poder mostrarles como crear imágenes a uno, dos tres o más colores.
Espero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.
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Security Updates for ColdFusion 2016 and ColdFusion 11 released

Adobe
This article announces the release of ColdFusion 2016 Update 6 and ColdFusion 11 Update 14.
These updates –

address security vulnerabilities mentioned in the security bulletin APSB18-14,
upgrade the Tomcat engines & OpenSSL jars, and
contain few other bug fixes.

ColdFusion 2016 Update 6
ColdFusion 2016 Update 6 addresses the vulnerabilities mentioned in the security bulletin APSB18-14.
It also includes a Tomcat version upgrade to 8.5.28, OpenSSL upgrade to 1.0.2n and bug fixes in few other areas.
For the security fixes to take effect, ColdFusion should be on JDK 1.8.0_121 or higher. Post update the build number of ColdFusion 2016 should be 2016.0.06.308055.
For detailed installation instructions and the list of bugs fixed with this update, refer this technote.
ColdFusion 11 Update 14
ColdFusion 11 Update 14 addresses the vulnerabilities mentioned in the security bulletin APSB18-14.
It also includes a Tomcat version upgrade to 7.0.85, OpenSSL upgrade to 1.0.2n and fixes in few other areas.
For the security fixes to take effect, ColdFusion should be on JDK 1.7.0_131 or JDK 1.8.0_121 or higher. Post update the build number of ColdFusion 11 should be 11,0,14,307976.
For detailed installation instructions and the list of bugs fixed with this update, refer this technote.

How the Film Metropolis Foretold the Future of Ad Tech


Adobe
Have you ever seen the classic German expressionist movie Metropolis? It’s filled with glorious dystopian Art Deco-inspired views of the future. In the 1980s, Giorgio Moroder oversaw a three year restoration, repackaging it with an electro soundtrack loaded with Adam Ant and Bonnie Tyler hits. Even Madonna was moved by the unique look and feel of this Fritz Lang masterpiece, filming her “Express Yourself” video as an homage to the movie.  
Why is Metropolis a metaphor for the ad tech industry? Let me tell you.  
The famous end title contains the most quoted line of the film: “The mediator between the head and the hands must be the heart”. When it comes to ad tech we’ll be seeing a lot of this in practice moving forward, with Adobe ideally positioned to achieve this integration thanks to its historic, deep knowledge of developing market-leading creative products and software.   
The development of amazing creative has always been at the heart of advertising—but we’ve never integrated it into the process of programmatic delivery. Instead it’s been siloed: a creative campaign is constructed by one team, then sent to the programmatic team to use, despite the numerous advantages that data-informed campaigns can deliver. If changes are ever needed to a programmatically-delivered campaign the process is time consuming and tedious. The creative is sent back from the programmatic team to the agency. Minor changes are made to try and boost campaign success based on how the ad is performing. The ad returns to the programmatic team to optimise, and around and around it goes. This sucks time away from what creatives should be doing, namely generating the kind of wow activities that will put your brand on the map.  

Our new product, Adobe Advertising Cloud Creative, embeds creative development into the programmatic delivery process, marrying the creative strength and ease-of-use we offer in our market-leading Creative Cloud software with the targeting and data-powered insights enabled by Advertising Cloud into a single solution.  
This is not to say that the day of the “cool” ad is over, or that the role of the creative team diminishes. They can be even more powerful because Adobe Advertising Creative enables them to harness multiple layers of data to make their output more targeted, loved and engaging for consumers.  
We acknowledge that some may look back wistfully to the Mad Men days, when brilliant ideas stemmed from a three-martini lunch, resulting in consumers humming memorable jingles and quoting ad to each other. But back then there were far fewer locations where an ad could appear. Viewership of tens of millions per television programme weren’t uncommon.  
Today, consumers go on mobile, watch television, use streaming services, read papers online, see digital and static out-of-home ads, listen to podcasts, click on websites, surf on social—and more. As competition for a consumers’ time increases, their attention spans decrease. Unless the creative is targeted and available for instant optimisation, consumers will block your ad. Relevance is key, and creative plays a massive role in that.  
Integrating creative into media buying process is a quicker way to feed insights about what works and what doesn’t. Brands and agencies will have the ability to pivot to an ad that’s better performing mid-campaign or finesse the poorly performing creative of another ad to make it perform better. Marketers no longer have to wait until their entire buy is spent before adjusting creative with their data insights. 
Which is why we return to the final frames of Metropolis. Its characters realised that heart, hand and brain must work together for the betterment of their city and society as a whole. The same is true of ad tech. You can’t reach your goals if the heart (creative) and the data (brain) aren’t matched when the hand puts the campaign in place.  

#フォント川柳 Twitterキャンペーン優秀作品発表 #フォントの日 #貂明朝 #Typekit

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Adobe
 
4月10日は、「#フォントの日」
昨年アドビは、フォント業界のさらなる発展を願い、⽇本記念⽇協会に正式な記念日として登録しました。制定2年目となる今年は、「#フォントの日」をさらに盛り上げるべく「#フォント川柳 Twitterキャンペーン」を実施いたしました。3月5日~18日の期間中、約300句を超える川柳の応募がありました。ご参加いただきいたフォントを愛するみなさま、まことにありがとうございました。
優秀作品の選考委員には、川柳の講師としてテレビ等でご活躍中のやすみりえさん、実験的タイポグラフィ集団として活動する大日本タイポ組合さんのお二人に加え、貂明朝の作者であるアドビのチーフタイプフェイスデザイナー西塚涼子が務めました。
以下、選考委員により厳選された三句の優秀作品を発表いたします。
【やすみりえ賞】
選評:柔らかく優しい雰囲気の中に、フォントの魅力を伝えようとする思いを感じることのできる一句に仕上がっています。とくに「まとって」という言葉に、作者の日ごろのフォントに対する気持ちが感じられました。入賞作品のほかにも優れた川柳がたくさん寄せられ、みなさんのフォント愛が伝わってきたコンテストでした!
【大日本タイポ組合賞】
選評:フォントでは極端な個性のウェイトにつけられる「エキストラ」が、対比的に無個性な端役の俳優とかけてあったり、台本の書体の話かと思ったら、結局サンセリフすなわち「セリフなし」だったっていうオチが見事です。
【西塚涼子賞】
選評:墨溜まりというのは、印刷の時に文字の狭いところにインクが溜まってしまう現象です。きれいなアウトラインを高解像度の画面で表示できるのが当たり前になった今、墨溜まりは消えてしまいましたが、そこから伝わるニュアンスが確かにありました。そのような味わいを無くしたくないですね。
優秀作品に選ばれた三名の方には、Adobe Creative Cloudメンバーシップ1年分とオリジナル掛け軸を贈呈いたします。
全入選作品は、Twitterモーメントでご紹介します。
貂明朝 フォント川柳 Twitterキャンペーン
 
 

アドビの日本語フォント開発 30年の歩み 後編 #フォントの日 #Typekit


Adobe
前編のつづき
東アジアの日本、韓国および中国語圏(簡体及び繁体の漢字を用いる)の国々で利用でき、それらの複数の地域の文字を同一文書で使う場合でも書体デザインの一貫性を維持できる、Pan-CJK フォント「源ノ角ゴシック」(Source Han Sans、ただしGoogleはNoto Sans CJKの名称を使用)の書体ファミリーをアドビとGoogleの共同で開発し、2014年にオープンソースのフォントとしてリリースしました(ライセンス条件はOpen Font License version 1.1に従います)。
従来、東アジアの上記の地域で読まれることを想定した多国語の文書を製作する場合、それぞれの地域や国語に合わせたフォントを、別々に準備して用いる必要がありました。なぜなら、それぞれの地域で必要とされる文字の種類、グリフの種類が異なるからです。それは、同じ文字についても、例えば、漢字の「骨」は、グリフが中華人民共和国で用いられる簡体字「骨」と台湾などの地域で用いられる繁体字「骨」と日本及び韓国で用いる「骨」の間で異なります。

他方で漢数字の「一」のような文字では、グリフに地域間の違いはありません。それぞれの文字ごとに、それぞれの地域で最も標準的とされるグリフを明らかにした上で、それを他の地域で用いられているグリフと分離して、別々のグリフとしてフォントに収録する必要があるか、必要とする場合には、どれだけの数の異なるグリフが必要となるか、あるいは逆に、地域間でグリフの形状の差異が微細であれば、統合して一つのグリフにすることができるのか、地域によって異なるグリフがあり得る場合には、この判断をそれぞれの文字ごとに行う必要があります。統合されて、地域間で共有されるグリフの数が増えれば、フォントに収録する必要のあるグリフの数が減るため、フォントのファイルの大きさは小さくて済みます。共有できるグリフの数が少なくなると、ファイルの大きさを減らせる余地も少なくなります。
とはいえ、各国のグリフの形状に対する嗜好性を尊重することは、どの地域でも広く使えるようにするための重要なポイントです。地域間のグリフの差異が小さくも大きくもない場合は、グレーゾーンに入って、統合不統合の判断が難しくなります。「源ノ角ゴシック」は、おもに漢字の製作について、中国のChangzhou SinoTypeと日本のイワタ、韓国語のハングルについては、韓国のSandoll Communicationに制作協力を依頼しました。文字の形の統合の可否については、アドビ のチーフタイプフェイスデザイナーの西塚涼子が、各国の書体デザイナーの意向を汲み取りながら判断を下す必要がありました。各国のデザイナーの間で意見が異なる場合には、議論したり、調停する必要も生じるため、このプロセスは困難を極めるものとなりました。

「源ノ角ゴシック」のデザインは、漢字については小塚ゴシックをベースにしていますが、字面とカウンタースペースの大きさはより小さくなるように抜本的にリデザインされ、仮名は新たに電子書籍などの用途での読みやすさも考慮して、カウンタースペース(文字の中で画線に囲まれた空白の部分)の大きさは控えめに処理し、伝統的なゴシック書体の要素も残しています。他方で、スマートフォンやタブレットのメニュー表示など、短い語句での利用も考慮して、直線的な画線も取り入れながら、保守的になりすぎない工夫も必要となりました。伝統的な本文用の書体と直線的で大柄な新しい見出し用途のゴシック体デザインとの中間にデザイン上の着地点を探る作業となりました。「源ノ角ゴシック」では、少し保守的ではあるけれども過度にならないよう絶妙なバランスを持ったデザインを意図しました。
アドビは、2011年にwebフォントのサービスを展開していたTypekitを買収し、PhotoshopやIllustrator、InDesignなどのアプリケーションソフトウェアを提供する Adobe Creative Cloud のサービス「Adobe Typekit」として緊密に連携し、フォントの利便性を高める改良を重ねてきました。それによって、web文書で指定した書体を表示することを可能にするwebフォントのサービスと、PC上に必要なフォントをダウンロードして使用できるデスクトップフォントの2つのサービスを柱にTypekitは機能するようになりました。はじめ、Typekitは欧文フォントだけに対応していましたが、「源ノ角ゴシック」の書体ファミリーの追加を皮切りに、2015年の6月には、アドビの日本語フォントがTypekitから利用可能となり、同年10月には、モリサワから提供を受けたモリサワおよびタイプバンクの20の日本語フォントがTypekitで利用可能となりました。さらに、2017年の7月には、モリサワからタイプバンクの10フォントがTypekitのフォントライブラリーに追加されました。さらに、同年9月には、日本の書体メーカー4社のフォントがTypekitのライブラリーに追加されました。視覚デザイン研究所、字游工房、大日本印刷、フォントワークスが新たなTypekitの日本語フォント提供パートナーなり、74のフォントが追加されました。これらのTypekitが対応する日本語フォントはすべて、webとデスクトップの両方で利用可能です。
2017年4月に、「源ノ明朝」(Source Han Serif、ただしGoogleはNoto Serif CJKの名称を使用)の書体ファミリーをアドビとGoogleの共同で開発し、オープンソースのフォントとしてリリースしました(ライセンス条件はOpen Font License version 1.1に従います)。「源ノ角ゴシック」に次ぐ、Pan-CJKフォントです。「源ノ角ゴシック」の場合と同様、西塚涼子が書体デザインを担当しました。「源ノ明朝」もPan-CJKフォントとして、東アジアの漢字圏において利用できるだけでなく、異なる地域で用いられるグリフを混植した場合でも一貫した書体デザインが得られます。その点は「源ノ角ゴシック」と「源ノ明朝」に共通する最も重要な特徴の一つです。
しかし、「源ノ明朝」のデザインは「源ノ角ゴシック」よりも難しいものとなりました。明朝体は、きわめて長い漢字の書記と印刷の歴史の中で、東アジアのそれぞれの地域で独自の形態で発展を遂げてきました。そのため、グリフの形の地域間の差異も多様で、しかも書籍の本文用の書体として長く利用されてきたため、地域の人々の文字の形に対するこだわりもより強いものがあります。その結果、「源ノ明朝」においては、各地域間でグリフの形状が共有されるグリフと共有されないグリフの分布は、「源ノ角ゴシック」の場合とは異なったものになりました。しかし、明朝体がPan-CJKフォントとして、東アジアの諸地域で活用できるようになったことは、きわめて意義深いことです。なぜなら、本文用途を中心にしながらも、見出し用まで、ゴシック書体の場合よりも、広い用途で用いられることが予想されるからです。

「源ノ明朝」をデザインするにあたって、西塚涼子は、やはり「源ノ角ゴシック」と同様、保守的な傾向に歩み寄りつつ、同時に画線構成の単純化を意図しましたが、特に仮名のデザインについては、筆で書いた文字の形の在り方を探る試行を繰り返した上で、それを過度に強調するのではなく、控えめに最終的な文字の形態に残すように努めました。そのため、「源ノ明朝」には伝統的な性格と現代的な簡潔さという二つの傾向が共存しています。
「源ノ角ゴシック」と「源ノ明朝」の書体ファミリーは、オープンソースフォントとして提供されます。オープンソースで提供することで、従来、高品位なフォントを利用することが難しかった目的でのフォント利用が加速され、また、これまでに存在しなかった形態でのフォント利用が促進される可能性が生まれます。また、オープンソースのフォントがより高品位なものとなっていくのを助長する効果も予想できます。それによって、フォントの利用領域の拡大、フォント利用の活性化に貢献できることが期待されます。
2017年11月、アドビはTypekitの書体ライブラリーに、西塚涼子のデザインによる新しい見出し用書体「貂明朝」を追加しました。躍動感のある手書きの文字の特徴をそなえつつ、江戸時代の瓦版印刷に見える運筆も取り入れた、新しい見出し用の明朝体です。貂明朝にはアドビのType部門のプリンシパルデザイナー、ロバート・スリムバック(Robert Slimbach)がデザインしたフルセットの欧文グリフが含まれています。また可愛らしい貂の姿を含む絵文字グリフも収録しています。今日では、デジタルフォントの応用分野は多様化し、スマートフォンやタブレットPC、電子書籍などさまざまな表示デバイス上でフォントが利用されています。そのような時代にふさわしい見出し用の日本語書体のあり方を「貂明朝」は示唆しています。

1989年に最初の日本語PostScriptプリンターがリリースされて以来、フォントを実装する技術は、幾度も改良され、変化してきました。しかし、それはフォントの利用環境の変化に対応するだけでなく、高品位な日本語のタイポグラフィを実現するために必要なことでした。世界中の文字体系の文字に一元的にコードを割り振るUnicodeの普及、OpenTypeフォントへの移行、OSに依存しない包括的なグリフ集合、日本語のタイポグラフィが現実に必要とするグリフ集合の開発と保守、高品位な日本語のタイポグラフィを実現できるソフトウェアツールの開発、日本語フォントに対応したTypekitによるwebとデスクトップへのフォントの配信サービスなど、アドビはこれらのすべてに深く関わってきました。そして、それぞれの時期に、新しい書体デザインを日本のタイポグラフィの世界に提供してきました。それらの書体は、技術的な要素と深く結びつき、あるいは、技術的な要素を際立たせるものでした。
アドビと日本語フォントとの関わりは30年におよびます。最初のアドビオリジナルの日本語書体である「小塚明朝」をリリースした時からも、すでに20年近くが経ちます。そのあいだに、DTPはしっかりと普及しました。webやさまざまな表示デバイスの登場によって、フォントの応用領域も大きく広がり、高品位なフォントが利用可能となりました。アドビはそのように常に変化する市場の中で、利用者にとってフォントがより使いやすいものとなるように努めてきました。
他方で、フォントの応用領域の拡大は、新しい課題を我々に与えています。例えば、webやアプリケーション上でのダイナミックに変化する文字情報の取り扱い、表示デバイスや体裁の変化への対応とフォントとの関係、より広範囲の言語を含む多言語組版を可能にするフォントの在り方など、新たなチャレンジが顕在化してきました。
これからも、変化する世界の技術状況に適応すべく開発努力を継続し、そしてアドビ独自の魅力ある書体デザインによって、より多様な選択肢を利用者に提供し、さらに利用者の創造的な制作意欲を刺激し、触発し、そして日本のタイポグラフィの活性化に貢献したいと考えます。
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