Hovering Art Director: watch our webinar & learn about the creative process behind the campaign

“I want black, with a little bit of white… no not gray.” Sound familiar? The Hovering Art Director, circling their design team, chipping in feedback from afar, is a staple of many design-led firms.
And they are at the heart of Adobe’s new global Hovering Art Director campaign, which spotlights the benefits of the integration between Creative Cloud and Adobe Stock.

Overcoming everyday creative challenges
Creative professionals and Art Directors face a range of pressures and performance challenges, as outlined last year by a panel of leading designers convened for Computer Arts’ 20th anniversary.
These include working with ever-shorter deadlines, staying relevant in the fast-changing field of digital marketing, and adapting to technological change, while continuing to make great work and balance thinking with doing.
These findings chime with our own research with Forrester last year, which found that advanced design practices are commercially important for businesses, contributing to the pressure on Art Directors to deliver. For example, half of design-led firms say that advanced design practices lead to more satisfied and loyal customers, while nearly half report that they lead to a greater competitive edge, more new business wins and greater market share.
Keeping up with the pace of change
So how can design-led firms and their Hovering Art Directors keep up? Adobe’s new campaign highlights the answer by putting a spotlight on how the integration between Creative Cloud and Adobe Stock benefits creative professionals. According to a recent report, creatives can see a 10x productivity gain with Adobe Stock in Photoshop. So many steps are eliminated that the process of licensing an image goes from nearly 3 minutes to 16 seconds*.

You can find out more by signing up for our free webinar on March 30 at 7pm CET. Register here to join art director Michael James Phillips from mcgarrybowen Amsterdam and designer Alessandro Pisano from Magic Group Media in this live one-hour masterclass on compositing and retouching with Adobe Stock assets.
We’ll show you how to re-create the WolfBear artwork from the Hovering Art Director video and explore the creative process behind the campaign. Plus, we’ll have some fun surprises for our audience.
* Adobe Stock: Boosting Design Efficiency Through Integration, Pfeiffer Report, Pfeiffer Consulting, 2016.

The Future of Business Is Design: Ben Blumenfeld Talks Designer Fund

Imagine a world where smart business and good design go hand-in-hand in creating the products and services we use – that’s the world Ben Blumenfeld wants to see. He’s the co-founder of Designer Fund, a fund that invests anywhere from $250,000 to $1 million in new companies founded or co-founded by designers.
Designer Fund Co-Founders, Enrique Allen and Ben Blumenfeld.
In Ben’s words, the fund places its faith in designers-turned-entrepreneurs because the products they make “tend to have great design already baked into them.” He says designers know how to put people and their needs first when trying to find solutions to their problems. We asked Ben about Designer Fund’s mission and why designers should consider becoming entrepreneurs.
What kinds of businesses are designers starting?
Designers are tackling a broader set of problems than they ever have before. That’s really encouraging, because there’s so many areas that really do need design love. Instead of another social network, another photo-sharing app, they’re tackling other real problems in many areas.
What makes designers unique is really bringing design skills to company-building. In fundraising, for example, a designer can build a prototype that can inspire investors with their vision.
Also, a designer can make something not real, feel real. As a company scales, you can start to bring design to areas that don’t often get a lot of design love, like an onboarding experience for new employees, for example, which improves retention right away.
What’s the top factor designers should consider when breaking into business?
Starting and running a business is really, really hard and very time-intensive. It’s not just design, there are so many other facets to it. I think the main thing to consider: is this a problem you’re insanely passionate about? You’re going to need to put in a ton of work, you’re going to need to inspire others to join, you’re going to need to do lots of unglamorous work to make it succeed.
If you’re not very inspired about solving that problem, you’re not going go the distance.
What does Designer Fund look for when investing in companies?
We look for the same things as other investors, but but also want to see design playing an integral role for the company. We look for:

A mission-driven team that’s a good fit for the problem (do you know a lot about the problem and are you a good fit to take that problem on).
Is there a big market for your product? Is there a big business to be built here?
Are there signs of traction? Is this idea starting to take off?
Is it a business model that works? Do the economics work?

The additional piece we layer on is: is this a team that can build a product that is, in order of magnitude, better than what’s out there?
What does success look like for the designers you work with?
There are different degrees of success and that depends on who you are and the audience. As investors in companies that are part of a fund, we really need at least one or two companies to provide a return on invest of 50-100x.That’s success on an investor level.
But on an individual level many designers look at success differently. There’s the financial outcome, but then there are other outcomes like, ‘Did I go after a problem with everything I had? Did I build a product many people use and love? Did I effectively lead a team that was well-balanced?’
Even if your product doesn’t have the financial success you hoped for, there are a lot of personal successes. One thing that’s really important to define is success for yourself when you’re starting out.
For us at Designer Fund, we want to say that we’ve helped build the next generation of great companies co-founded by designers who have a meaningful and positive impact on our society. Also, we want to contribute to fundamental infrastructure for designers to succeed in tech. So there are a bunch of ‘success milestones’ along the way that we can use to help us know if we’re on the right path.
Why is it important to you to empower designers through business?
I’m a designer myself, and Designer Fund was born from our frustration observing the world. When I walk into a school, or a hospital, or a government office, I look at the tools they’re using and, for the most part, these are frustrating experiences and products. The people who are doing these really important jobs in society are struggling to use them.
We believe the world needs better design products and services, especially in areas that are underserved and we believe that designers are uniquely suited to build those tools.
As designers, we’ve been trained to be the advocates for people; we often play that voice while an engineer is just trying to build the system more effectively and businesspeople might be looking at how to make things economically viable.
A designer is constantly thinking how to make something good for people. Evan Sharp, who co-founded at Pinterest, has this great quote: “if we’re going connect the world, and be the plumbers who lay the pipes, designers need to make sure the pipes are carrying fresh water.”
To learn more about Designer Fund visit their website or follow Ben Blumenfeld on Twitter. If you’re an experienced designer, check out Designer Fund’s Bridge Program.

« The Hovering Art Director » : découvrez le processus de création de cette campagne dans notre e-séminaire

« Je voudrais du noir, avec un peu de blanc… Non, pas de gris. » Cette situation vous parle ? Nombre d’entreprises orientées design doivent composer avec un directeur artistique omniprésent, qui est constamment sur le dos de l’équipe de design et ne peut s’empêcher de mettre son grain de sel, où qu’il se trouve.
Ce personnage est au cœur de la nouvelle campagne mondiale d’Adobe intitulée The Hovering Art Director, qui met en avant les avantages de l’intégration de Creative Cloud et d’Adobe Stock.

Relever les défis quotidiens de la création
Ainsi que le soulignaient l’an dernier de grands noms du design, réunis à l’occasion du vingtième anniversaire de Computer Arts, les créatifs et les directeurs artistiques font face à de nombreuses pressions et obligations de performance.
Les délais sont de plus en plus courts, le secteur du marketing digital en pleine mutation exige de se renouveler en permanence et l’évolution technologique requiert une adaptation constante — le tout, sans sacrifier la qualité et la recherche du juste équilibre entre action et réflexion.
Ces conclusions font écho à notre étude menée avec Forrester l’an passé, qui met en lumière l’enjeu commercial des pratiques de design avancées pour les entreprises et donc la pression que subissent les directeurs artistiques. À titre d’exemple, la moitié des entreprises orientées design déclarent que ces pratiques renforcent la satisfaction et la fidélité des clients, tandis que près de la moitié évoque également un avantage concurrentiel, un nombre de contrats remportés et une part de marché supérieurs.
S’adapter constamment
Comment les entreprises orientées design et leurs directeurs artistiques font-ils pour suivre la cadence ? La nouvelle campagne d’Adobe met l’accent sur les avantages que représente l’intégration entre Creative Cloud et Adobe Stock pour les créatifs. Selon une récente étude, l’intégration d’Adobe Stock dans Photoshop multiplie par dix la productivité des créatifs. Le nombre d’étapes est tellement réduit que le processus d’achat d’une licence d’image passe de 3 minutes à 16 secondes*.

Pour en savoir plus, inscrivez-vous à notre e-séminaire gratuit qui aura lieu le 30 mars à 19:00 (CET). Inscrivez-vous ici pour retrouver Michael James Phillips, de mcgarrybowen Amsterdam, et Alessandro Pisano, designer chez Magic Group Media, et participer à une master class d’une heure sur le compositing et la retouche avec les ressources Adobe Stock.
Nous vous expliquerons comment reproduire l’image WolfBear de la vidéo The Hovering Art Director et vous dévoilerons le processus de création de la campagne. Nous avons aussi réservé quelques surprises amusantes à notre public.
* Adobe Stock: Boosting Design Efficiency Through Integration, rapport Pfeiffer, Pfeiffer Consulting, 2016.

Now’s the Time to Preregister for Adobe MAX 2017


Preregistration for Adobe MAX 2017 is now open for a limited time. Now is the time to add your name to be notified for when passes go on sale, and you’ll receive our best discount when they do — $500 off the full conference price.
This year we’re excited to host MAX at The Venetian in Las Vegas. Pre-conference runs Oct. 16-17 and regular conference dates take place Oct. 18-20.
We’ll see you in Vegas!

Adobe Summit 2017 現地レポート Vol.2

昨日ポストしたVol1からの続きになります。1日目のキーノートではAdobe Experience Cloudが発表され、そこに紐づく、Analytics Cloud、Advertising Cloud、Marketing Cloudの3つが発表されました。製品の発表後、具体的なデモなどがいくつかあったのでまずはそれをご紹介したいと思います。
素早い意思決定を実現するAnalytics Cloud
まず、Industry Strategyを担当するJulie HoffmannおよびAnalytics EvangelistのEric MatisoffによりAnalytics Cloudに関するデモが実施されました。その1つとしてAdobe AnalyticsのWorkspace機能での異常値検知(Anomary Detection)および貢献度分析(Contribution Analysis)を利用したものです。
これまでの貢献度分析ではAdobe Analyticsで蓄積されているデータだけだったものが、Adobe Audience Managerのデータとして3rd Party DataやAdvertising Cloudのデータとしてインプレッションなどの指標も含めて分析できるようになることが紹介されました。

つづいてAdobe Experience Managerのアセット管理機能においてのデモとなります。これまでページ作成などに利用する画像を選択する場合に、その選択は担当者の感覚によるものでした。これをAnalytics Cloudのデータと連携することで、どのぐらい利用/閲覧されているかを確認することが出来るようにするというものです。

さらにデモの中では、Intelligent Alertsとして条件を指定した場合に簡単にそれをメールやSMSを通じて簡単に通知を設定できる機能が紹介されました。これまで特定の指標にしか実施できなかったところにより複雑な条件指定が出来るようになった形です。さらにはSMSで通知を受け取った際に、「Analyze」と返信することで、貢献度分析が実施されそれが返信されるという機能のデモがありました。

広告基盤として必要な全てがあるAdvertising Cloud
続いてはVice President & General ManagerのBrett Wilsonによる紹介です。広告業界が非常に混み合い複雑化していることに触れながら、それを打破していくものとしてAdvertising Cloudが紹介されました。先日買収されたTube Mogulを取り込むことで、広告基盤として必要な全てが提供できるようになることに触れ、自動化、プランニング、買い付け、計測、最適化、Cross Channel 広告配信を1つのプラットフォームでできるとしました。
Cross-Channelであり、Cross-Screenであること。サーチやSocialなどのチャネル横断、さらにはデスクトップ、モバイルだけでなくTVにおいても広告配信が出来ることに触れました。また、Analytics Cloudとの連携により保持しているオーディエンスデータを数クリックで簡単に広告セグメントとして利用し配信設定が出来ることについても触れました。

Zarpana Kabirにより具体的な内容について触れました。実際にデモの中において数クリックで簡単に広告設定を実施し、その結果をComscoreのデータも利用しながら分析できることを示しました。また、IntelのJulie Keshmiryを招きProgramatic TVの広告購入のデモも行いました。これまでのDisplay広告と同じような形で、非常に簡単に、かつ、Analytics Cloudのセグメントデータを使いつつTVの広告枠購入ができるようになります。
T-MobileのSr. VP of DigitalのNick Drakeが登場しT-Mobileの取り組みについて触れました。T-MobileではThe Un-Careerとして他のキャリアとの差別化を図っているそうです。「全ては顧客のため」という方針のもと複雑性を排除し、T-Mobile Tuesdayといったアプリをダウンロードするだけで様々な無料体験が出来るサービスを展開しているそうです。

セッションの中で、Nick DrakeはT-Mobileは顧客中心で、体験を重視したデジタル企業になっていきたいと掲げ、Adobe Experience Managerを基盤とし、Adobe Analytics、Adobe Target、Adobe Audience Managerを利用してモバイル含めて様々な取り組みを実施していると紹介しました。
デバイスではなく人に体験を提供するMarketing Cloud
続いて、Sr.Director , Strategy & Product Marketing のロニー スタークの登場によりMarketing Cloudの紹介がされました。Content、Personalization、Orchestrationの3つをポイントとし新たな機能をSenior Evangelistであるマチュー・ハノーズとともに紹介しました。
また、Adobe Senseiの活用により、Adobe Targetを利用した自動パーソナライゼーションをさらに進化させ、かつ、これまではデバイスごとに最適化されていたものを、去年発表されたDevice Co-opの機能を活用しデバイスを超えた、人ベースでの自動最適化をしていくことが紹介されました。
また、Adobe CampaignにおいてはCross Deviceを含めたAdobe Experience Cloudのオーディエンスデータを活用したワークフローを紹介し、デバイス単位ではないカスタマージャーニーでの設計が出来ることに触れました。またメールの作成に対してAdobe Creative CloudのDreamweaverと連携することで、デザイン担当者が簡単にAdobe Campaignで利用するメールを作成するワークフローを実現するデモが実施されました。
最後にテクノロジーラボとしてAdobeのテクノロジーでどんなことが出来るか、といったセッションがAdobe Fellow , VP of Enterprise TechnologyのDavid Nueschlerから紹介されました。Adobe Senseiを活用した画像への自動のタグ付けから始まり、モバイルの画像を簡単に大きなダッシュボード画面へ移動し閲覧できるようにするデモなどが実施されました。また、VRを利用することで、仮想の大きなダッシュボードから画像を選択するといったデモも実施されました。

2回にわたりAdobe SUMMIT 2017の1日目のキーノートをレポートさせて頂きました。私個人としては去年に引き続き改めて「Experience(顧客体験)」にフォーカスする中で、それを実現するポイントとして「人へのフォーカス」「基盤の統合」「ワークフロー」といったキーワードがあったと感じています。
去年のリリースで発表されたDevice Co-opや先日買収を行ったTube Mogulを活用することにより、デバイスではなく「人」にデータを統合できるようになってきました。それに合わせて基盤を統合し「人」単位での機能が強化されてきています。Adobe Senseiを活用し意思決定を早くするデータの提供、そしてCloud間含めたワークフローを整備することで、アクションしやすくし「顧客体験」を最大化していく構造です。
一部機能など日本への登場は少し先になるものもありますが、顧客体験を最大化する基盤としてAdobe Experience Cloudは非常に大きな役割を担うことをキーノートから感じることが出来ました。

Regarder en arrière pour mieux percevoir l’avenir : les styles d’illustration des 30 dernières années

L’illustration est l’une des formes les plus importantes de la communication visuelle : elle informe et constate, enchante et décore, instruit et inspire. Depuis l’époque des premières peintures rupestres, l’illustration joue un rôle fondamental dans le récit et le partage d’informations et demeure plus pertinente que jamais pour nous aider à appréhender le monde moderne. Les artistes d’aujourd’hui créent des illustrations incroyablement variées, sur tout un spectre de styles et de genres, en tirant profit d’une histoire très riche et des innovations extraordinaires apparues ces dernières décennies. Dans cet article, nous aborderons quelques-uns des mouvements sociaux et artistiques qui ont influencé l’illustration au cours des 30 dernières années.
Il est impossible de parler de l’illustration contemporaine sans évoquer l’influence des Push Pin Studios, fondés en 1954 par des camarades d’études de Cooper Union : Seymour Chwast, Milton Glaser et Edward Sorel. Les artistes de Push Pin sont à l’origine d’une véritable révolution. « Push Pin a jeté par la fenêtre tout ce qui existait en matière de style de référence, » déclare Whitney Sherman, directrice du programme de maîtrise ès arts en pratique de l’illustration au MICA. Travaillant de manière conceptuelle, les artistes de Push Pin ont librement exploité l’histoire de l’art et du graphisme, des beaux-arts à la bande dessinée, et réimaginé et recombiné ces formes très diverses pour créer des œuvres innovantes, très esthétiques et inattendues.
À la fin des années 1980, les illustrateurs étaient libres d’associer, d’expérimenter et de célébrer différents styles et méthodes historiques. Ils se sont aussi bien inspirés de mouvements artistiques historiques que de la culture punk des années 1970 et de l’art de rue qu’abritait le New York de l’époque. La conception graphique a également contribué à définir le style de cette décennie, avec des publications telles que The Face, sous la direction artistique de Neville Brody, ouvrant la voie par son usage radical de la typographie et du dessin, inspirant de nombreux illustrateurs et concepteurs.

Push Pin Studios a mené une véritable révolution dans le domaine de l’illustration moderne en associant et repensant les styles et les genres.
Aujourd’hui, en 2017, l’idée de mouvement artistique fait sourire. Tout, des peintures paléolithiques aux dernières œuvres postmodernistes, est passé à la moulinette de la pop culture et du consumérisme. La mise en ligne de la première image sur Internet remonte à 1992. Aujourd’hui, plus de 80 millions d’images sont téléchargées chaque jour rien que sur Instagram. « Il n’y a plus de “saveur du mois”, » déclare le designer et illustrateur Von Glitschka, faisant référence à un terme qu’il a forgé, avec un autre illustrateur, pour désigner ce qui plaît un temps aux directeurs artistiques avant de disparaître. « Cette époque est révolue. Les réseaux sociaux y ont mis fin : la manière dont le public interagit avec un “style” évolue trop rapidement. »
Mais, pour paraphraser une réplique du film The Big Lebowski, « l’illustrateur demeure ». Et c’est tant mieux. La plupart des mouvements artistiques influents que nous allons évoquer sont apparus en réaction au statu quo. Alors, découvrons ce que ces rebelles ont manigancé.
Mouvement de design international apparu en Angleterre dans les années 1890 et ayant prospéré au cours des deux décennies qui ont suivi, l’Art nouveau s’est révolté contre les styles historiques qui avaient dominé le design pendant la plus grande partie du 19e siècle. L’Art nouveau, comme son nom l’indique, était axé sur l’innovation et a lancé une révolution dans le domaine du design moderne.
A la fois influencé par le mouvement britannique Arts and Crafts (littéralement Arts et artisanats), le design et les estampes japonaises sur bois, les motifs et manuscrits enluminés celtiques, les tableaux de Van Gogh et Cézanne, et le style rococo, ce mouvement s’est rapidement propagé en Europe.
Des styles distincts ont éclos dans les différents pays, mais tous partageaient un langage graphique commun : des lignes et formes organiques et botaniquesfluides, une typographie d’affichage et un lettrage unique, ainsi qu’une attention portée à la qualité de fabrication.
L’Art nouveau a connu un regain de popularité important à la fin des années 1960, à l’occasion de sa réinterprétation sur de nombreuses affiches de concerts et pochettes d’albums de rock. Ce style psychédélique distinctif a, à son tour, influencé les générations ultérieures d’artistes.
Le style « psychédélique » classique associé aux pochettes d’albums et affiches de concert de la fin des années 1960 et du début des années 1970 peut être considéré comme un écho du style Art nouveau. Les artistes se réfèrent souvent à ce style « rétro ».

David Lance Goines, un designer de beaux-arts et typographe de Berkeley, en Californie (États-Unis), crée de superbes œuvres inspirées par le style Art nouveau : lignes brutes, couleurs subtiles et lettrage à la main. (Chez Panisse, 2005, David Lance Goines)
L’interprétation des rêves, ouvrage de Sigmund Freud publié en 1899, a exploré la relation entre les rêves et la réalité et établi les fondations du mouvement littéraire, intellectuel et artistique appelé surréalisme. L’écrivain et poète antifasciste français André Breton, généralement considéré comme le fondateur du surréalisme, a publié le Manifeste du surréalisme en 1924, dans lequel il décrit le surréalisme comme un « pur automatisme psychique ».
Si l’impact des poètes et écrivains surréalistes est demeuré minime, celui des artistes et peintres associés au surréalisme a été significatif sur les arts visuels et le cinéma. Dans leurs activités artistiques, les surréalistes aimaient associer des objets généralement sans relation, de manière amusante et perturbante. La flore, la faune et les humains pouvaient être présentés avec soin, dans un style naturel, mais dans un cadre onirique.
L’impact du surréalisme sur l’illustration, le design et la communication visuelle a été à la fois spécifique et très large. Ce mouvement, à l’origine de techniques d’illustration inédites, a montré comment le monde des rêves, les symboles et le fantastique pouvaient être explorés visuellement afin de provoquer une réaction universelle chez de nombreux spectateurs.

Brad Holland est l’un des illustrateurs les plus influents du XXe siècle. Installé à New York, Brad a été l’un des pionniers du travail conceptuel, une méthode selon laquelle la solution à une mission réside dans une idée plutôt que dans les consignes données à un artiste. Son œuvre visuellement simple et souvent surréaliste est immédiatement reconnaissable. Elle a modifié l’évolution de l’illustration moderne et influencé des illustrateurs du monde entier. (Prophet, Brad Holland)

L’illustrateur John Craig emploie le collage comme technique principale pour créer des œuvres au profit de nombreuses publications, dont Time, Newsweek et Esquire. Les images de Craig sont percutantes et mystérieuses ; elles créent des liens et racontent des histoires qui résonnent longtemps après les avoir vues. (Joker, 2007, John Craig)
L’art moderniste et le mouvement du modernisme ont eu un impact significatif et étendu sur l’illustration et le design. Apparu en 1908 et ayant perduré jusque dans les années 1930, le modernisme comprenait une série de mouvements distincts, dont le constructivisme, le surréalisme et le Bauhaus. Ces mouvements avaient pour point commun le rejet des styles historiques, une approche minimaliste du design et une utilisation originale et expérimentale des formes, des couleurs, des lignes et de l’agencement.
« Le constructivisme, le Bauhaus, et d’autres approches formelles, rigides et minimalistes du design et de la création d’images ont perduré sous diverses formes et se retrouvent dans les illustrations actuelles » déclare Richard Lovell, directeur de l’illustration chez SCAD. « C’est un esthétisme guidé par la forme qui convient bien aux supports numériques, et même à la vidéo et à l’animation. »
Trouvant son origine dans l’avant-garde russe, le mouvement constructiviste est apparu juste avant la révolution bolchévique de 1917. Influencés par le style abstrait, la forme pure et l’énergie du cubisme, du futurisme et du suprématisme, les artistes constructivistes cherchaient à créer un nouveau langage visuel afin de libérer l’art, le design et l’architecture des formes de représentation conventionnelles. Les artistes constructivistes ont créé des affiches politiques et publicitaires, associant à jamais le style à l’activisme politique.
Une géométrie forte, des couleurs unies, des formes simples, de vastes espaces blancs et une typographie grasse sans empattement sont les marques de fabrique du design constructiviste. Le photomontage a fourni une nouvelle technique d’illustration à cette nouvelle époque.
Le constructivisme continue d’influencer le design graphique et l’illustration modernes, les artistes associant le vocabulaire visuel du constructivisme à leur propre voix et à leurs idées.

L’illustrateur, designer et auteur Bob Staake crée des œuvres dans une grande variété de styles, selon l’histoire qu’il a à raconter. Son affiche Pipko Tabac, qui recourt à des éléments géométriques simples et à des polices sans empattement, est un clin d’œil au constructivisme. Mais il les mélange à son approche distinctive et sophistiquée de la couleur et de la texture, qui constituent sa « patte ». (Pipko Tabac, 2010, Bob Staake [Instagram])
En 1919, l’architecte Walter Gropius a été nommé directeur du Staatliches Bauhaus de Weimar, en Allemagne, combinant deux écoles d’art en une seule institution, les beaux-arts et les arts appliqués en un seul cursus. On y a développé une approche moderniste de la formation au design, les étudiants étant encouragés à expérimenter et à trouver leur propre ton en matière de design.
Parmi le corps professoral moteur du Bauhaus, on peut citer les peintres Paul Klee et Vassily Kandinsky, le constructiviste László Moholy-Nagy, l’étudiant devenu professeur Herbert Bayer et l’architecte Ludwig Mies van der Rohe. L’école a exploré des idées de pointe dans les domaines de l’architecture, de la couleur et de la forme, et expérimenté en matière d’impression, de photographie et de typographie.
Sa contribution au design moderne dépasse de loin ses 14 années d’existence. L’approche du Bauhaus en matière de formation au design constitue le fondement des écoles de design actuelles ; son principe directeur du design de produit, « la nécessité, pas le luxe », c’est-à-dire la fabrication de produits de qualité à des prix abordables, se retrouve aujourd’hui chez des sociétés telles qu’Ikea et Muji.

Harry Campbell crée des illustrations épurées et modernes qui capturent les pensées complexes à l’aide de lignes et de couleurs simples. Son travail conceptuel et éditorial est présent dans de nombreux journaux et publications, du New York Times à Mother Jones. Ses illustrations numériques reflètent la géométrie isométrique du design industriel et de l’architecture du Bauhaus. (Vending Machine, 2017, Harry Campbell)
Le réalisme magique s’est développé aux côtés du surréalisme et de l’expressionnisme. Ainsi baptisé en 1924 par le critique d’art allemand Franz Roh, il décrit une nouvelle forme de peinture réaliste dépeignant la vie quotidienne comme une chose à la fois familière et étrange ou surnaturelle.
Le réalisme magique a trouvé des partisans en Amérique, dans les années 1940 et 1950. Peignant dans un style détaillé et réaliste, les artistes de ce mouvement ont imprégné leurs œuvres de symbolisme et d’une qualité mystérieuse, relevant du rêve.
Pour les artistes et illustrateurs actuels, le réalisme magique propose une approche unique du récit : s’il trouve ses racines dans le monde réel, dans le réalisme, les éléments « magiques » sont capables d’intensifier de manière inattendue la perception qu’a le spectateur de l’image.

Chris Buzelli crée des peintures à l’huile riches en détails pour une vaste clientèle, dépassant les frontières des beaux-arts et de l’art commercial. Si son travail penche souvent vers le surréalisme, avec des animaux et des personnages enchanteurs (et parfois effrayants), cette œuvre, Amazon, a été créée pour l’édition Voyage du New York Times. (Amazon, 2013, Chris Buzelli [Instagram])
L’expression Art déco fait référence à la célèbre Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui s’est tenue à Paris durant l’été 1925. Également appelé Style moderne, ce mouvement englobait l’art, l’architecture et les arts visuels et décoratifs : en fait, à peu près tout ce que l’on retrouve dans l’enveloppe du design tel qu’on l’entend aujourd’hui.
Dans le domaine des arts visuels, le style graphique distinctif de l’Art déco était marqué par des formes simples et épurées, mais aussi souvent, dans sa période finale, par des courbes aérodynamiques. Les illustrateurs et designers actuels ont exploré et revisité les formes et la typographie de l’époque pour créer des conceptions visuelles époustouflantes et très vivantes.

Mads Berg, un illustrateur travaillant à Copenhague, interprète le style de l’art classique de l’affiche à travers une sensibilité minimaliste danoise, pour un large éventail de clients et d’applications. Faisant subtilement référence à la géométrie de l’Art déco, Berg transforme ces formes en abstractions fluides et superposées, aux couleurs et textures lumineuses. (Bornholm Poster 2015, 2015 Mads Berg)
Daniel Pelavin est un illustrateur, lettreur et typographe accompli qui travaille à New York. Dans son œuvre 1952 Vincent Black Lightning, Pelavin interprète le langage rationalisé de l’Art déco pour évoquer la vitesse et la précision, ce qui convient à la perfection à la moto la plus rapide de son époque. (1952 Vincent Black Lightning, 2017, Daniel Pelavin [Instagram])

Michael Mabry est un concepteur graphique, un illustrateur et un enseignant qui vit et travaille dans la région de la baie de San Francisco. Il est l’auteur de design primés pour des identités d’entreprise, des conditionnements et des logos réalisés pour de nombreuses sociétés et organisations internationales très variées. Dans l’identité qu’il a créée pour le groupe de restaurants italiens Il Fornaio, il reprend les formes géométriques de l’Art déco et des affiches publicitaires de l’époque, mais combine ces éléments à des couleurs et textures uniques et à une typographie de script délicate pour créer un design original. (Identité de l’entreprise Il Fornaio, 1988, Michael Mabry)
Le Groupe Memphis était un collectif de jeunes concepteurs de mobilier et de produits dirigé par le designer industriel italien de renom Ettore Sottsass. Créé en 1981, ce groupe a régné sur le design du début des années 1980 avec ses meubles et textiles postmodernistes. Vibrant et tourné vers l’expérimentation, le Groupe Memphis ravissait par ses motifs, ses couleurs et sa géométrie audacieuse. Sottsass a dissous Memphis en 1988, mais s’il n’existe plus en tant que groupe, son énergie et son irrévérence ont eu un impact durable sur l’illustration et le design, démontrant qu’il est possible d’ignorer les contraintes et les règles établies du design et d’explorer le carrefour entre fun et fonctionnel.

Lauren Rolwing est une illustratrice installée à Nashville qui crée des designs délicats et axés sur la forme, utilisant des motifs et couleurs vives. « Je m’inspire largement du Groupe Memphis, » déclare Rolwing. « L’idée sous-tendant mon projet If I Lived in Ettore Sottsass’ Neighborhood m’est venue à l’occasion d’un rêve que j’ai fait après une journée passée à étudier le mouvement Memphis. » (Couverture du magazine Shop, 2016, Lauren Rolwing [Instagram])
Apparus à Los Angeles sur la scène underground, les mouvements Lowbrow et pop surréalisme se sont développés à la fin des années 1970 en dehors du cadre traditionnel des galeries et des musées.
Le Lowbrow puise son inspiration dans des sources très variées, pour ne pas dire disparates : tatouage, comics underground, musique rock et punk, skateboard, art figuratif, surréalisme et pop culture. Les artistes Lowbrow créent des peintures, des dessins, des objets et des œuvres d’art médiatique pleins de détails vigoureux, associant styles, personnages et récits pour former un art vibrant et dynamique. Le style Lowbrow, initialement très « brut de décoffrage », a évolué pour devenir plus raffiné et pictural, mais ses réalisations conservent une approche unique, souvent subversive.
La galerie avant-gardiste La Luz de Jesus, qui a ouvert ses portes en 1986 sur Melrose Avenue, à Los Angeles, est considérée comme l’une des premières à avoir exposé des artistes Lowbrow et pop surréalistes. « Ça a vraiment changé les choses, » déclare Mark Heflin, rédacteur et directeur d’American Illustration. « Cela a estompé la distinction entre illustration et beaux-arts. »
L’effacement de la frontière entre art commercial et beaux-arts est en effet l’une des plus importantes contributions de ce mouvement.

Les frères Rob et Christian Clayton travaillent ensemble dans les domaines de la peinture, de la sculpture et des installations depuis 1996. Rob et Christian font appel à un processus créatif unique : ils ne travaillent pas simultanément sur la même pièce et ne parlent pas de leurs projets pendant qu’ils créent. Ils se passent le témoin, complétant, modifiant et retravaillant l’œuvre jusqu’à ce que tous deux la considèrent comme terminée. Il en résulte des conversations vivantes et visuelles qui invitent le spectateur à se forger son propre récit. Les deux frères partagent un studio à La Crescenta, en Californie, et sont membres du corps professoral de l’ArtCenter College of Design. (Sensing Needs, 2007, The Clayton Brothers [Instagram])

Gary Baseman, artiste installé à Los Angeles, travaille dans les domaines des beaux-arts, de l’illustration, du design de jouets, de l’animation pour la télévision et du cinéma. Son œuvre mêle images iconiques de pop art, motifs vintage et archétypes littéraires et psychologiques. Il est renommé pour les créatures espiègles, intelligentes et souvent perfides qui peuplent son travail. (Couverture du New Yorker pour la fête des mères, 2002, Gary Baseman [Instagram])

Steve Brodner est un illustrateur, un graphiste et un commentateur politique new-yorkais. Il est l’un des illustrateurs politiques contemporains les plus influents et les plus suivis. Son travail est visible dans des magazines, livres et journaux, ainsi qu’à la télévision et sur des sites Web, et illustre des articles rédigés par lui-même comme par d’autres. Il a remporté de nombreux prix et continue de repousser les limites politiques, artistiques et techniques de son œuvre. Steve enseigne également l’illustration à la School of Visual Arts de New York. (The Court of Donald I, 2017, Steve Brodner)
Au début des années 1990, la révolution numérique a commencé à prendre forme au sein des secteurs créatifs. Auparavant, « le débat sur la conception numérique se bornait à savoir si les ordinateurs allaient envahir les studios, à la manière d’extraterrestres, pour y prendre le pouvoir » déclare Whitney Sherman. Malgré la diminution du coût du matériel, le ticket d’entrée demeurait élevé et la courbe d’apprentissage des logiciels restait très abrupte. Les concepteurs graphiques ont accueilli cette technologie avec plus de ferveur que les illustrateurs, mais pour tous, le pas à franchir ressemblait à un saut dans le vide.
Un genre nouveau d’illustrateurs a commencé à émerger au milieu des années 1990. Certains sortaient des écoles d’art et de design, et voyaient d’un nouvel œil les rôles traditionnels de concepteur et d’illustrateur. Ils se sont réinventés comme des artistes graphiques touchant à la fois au design et à l’illustration. D’autres étaient des artistes établis, avides de tester les nouveaux outils et de tirer profit des nouvelles technologies. Ces artistes ont créé avec fierté des œuvres sur ordinateur, et une nouvelle esthétique numérique a émergé.
À la fin des années 1990, le monde s’était transformé d’une manière inimaginable. Les ordinateurs et les logiciels étaient devenus rapides et sophistiqués, et proposaient de nouveaux outils offrant l’apparence des « instruments naturels » : la plume, le crayon et le pinceau de l’illustration traditionnelle. De nouveaux filtres et techniques offraient de formidables nouvelles possibilités de manipulation des images. Selon les besoins, les illustrateurs pouvaient choisir de recourir aux méthodes classiques, au numérique ou de mêler les deux. Whitney Sherman qualifie ceci d’approche « transmédias/hybride combinant l’esthétique et les méthodes de travail traditionnelles et numériques ».
Aujourd’hui, avec la puissance des smartphones, les tablettes à affichage haute résolution et l’omniprésence de l’Internet rapide, les illustrateurs peuvent tirer profit de l’animation et de la réalité virtuelle pour élargir le narratif et offrir des récits séquentiels et interactifs.
En associant techniques classiques et technologies modernes, les illustrateurs créent de nouveaux styles et formes de communication visuelle, le tout reposant sur des fondations remontant à plusieurs millénaires.

Craig Frazier est un « designer illustrateur » installé à Mill Valley, en Californie, qui lève les frontières entre design graphique et illustration. Son travail a été couronné de nombreux prix et il est internationalement reconnu pour son style conceptuel unique. Après avoir créé de petits croquis, Craig découpe des formes dans de l’Amberlith et les transfère sur ordinateur pour leur apporter de la couleur. Dans ces exemples, il ajoute des animations pour élargir le récit de ses œuvres. (Bookfloat, Craig Frazier [Instagram])

Christoph Niemann est un illustrateur, designer, artiste et auteur travaillant à Berlin. Son travail a fait la couverture du New Yorker, de Wired et du New York Times Magazine (entre autres) et a reçu des prix de l’AIGA, de l’Art Directors Club, ainsi que le Lead Awards. Niemann est essentiellement un grand conteur visuel qui tente en permanence de nouvelles expériences et repousse ses limites. My Trip to the DMZ est un carnet de croquis expérimental à 360 ° (cliquez sur l’image pour le découvrir). (My Trip to the DMZ, Christoph Niemann [Instagram])


Louis Fishauf est un designer graphique, directeur artistique et illustrateur canadien qui a créé des œuvres primées au profit d’un large panel de sociétés internationales. Fishauf a été l’un des premiers à utiliser l’ordinateur et les logiciels comme outils de conception et de mise en page. Son travail actuel est principalement axé sur la création de collages numériques. (Stripes, Louis Fishauf)

Auteur : Terry Hemphill

[Tendance de mars] La beauté et l’élégance des femmes à travers l’objectif d’Ève Saint-Ramon

Ève Saint-Ramon est une photographe parisienne qui réalise des portraits de femmes pour exalter leur force et leur féminité. Cette contributrice Adobe Stock Premium est à l’honneur dans notre vidéo sur la tendance visuelle de mars qui met à l’honneur les femmes créatrices.
Bien qu’elle n’ait jamais été véritablement formée à la photographie, Ève Saint-Ramon a appris les ficelles du métier au gré de diverses expériences dans les galeries, les musées, les agences de presse et les maisons de production. Elle a démarré son projet « pin-up » il y a 15 ans, fascinée par l’idée qu’une femme, sous des airs naïfs, puisse en réalité parfaitement maîtriser son environnement et son image. Elle articule ainsi toute sa carrière autour de ce mélange d’insouciance et de féminité assumée.

Paris est une immense source d’inspiration pour Ève : « J’aime découvrir ma ville à travers les yeux d’un touriste ou d’un enfant naïf qui serait constamment surpris et émerveillé par Paris, l’un des plus beaux décors urbains au monde. » Nous avons demandé à la photographe de nous emmener dans le café où elle a réalisé sa série de photos sur la Parisienne sophistiquée.

« J’aime photographier les gens dans la vraie vie — performeurs, artistes, musiciens et danseurs — et saisir ce qui les rend uniques » confie Ève. Cette série met en scène Louise de Ville, performeuse, éducatrice sexuelle, féministe, activiste, comédienne et amie d’Ève. L’objectif de la photographe était de capturer l’élégance, la confiance et l’indépendance de Louise.
Pour ce faire, Ève a mis en image le quotidien de son amie et modèle : « Elle marche dans la ville, prend les transports en commun pour aller travailler, puis prend plaisir à passer un moment seule dans un café. J’adore défendre la maîtrise de soi de la femme française. Elle s’assume pleinement, ainsi que ses désirs, tout en s’amusant. » Bien que la scène se déroule dans un café parisien typique, ce moment et cette attitude trouvent une résonance chez les femmes du monde entier.

En associant des références cinématographiques et photographiques à la personnalité et à l’histoire de chacun de ses sujets, Ève compose une scène contemporaine qui donne naissance aux personnages féminins. Ses photographies sont, selon elle, « la représentation ultime d’une féminité, dans toute sa force et sa substance ».
Découvrez le travail d’Ève sur Adobe Stock.

Adobe au festival OFFF Barcelona 2017 : suivez ces 3 jours en live stream !

Quels sont vos projets pour les 6, 7 et 8 avril ? Annulez-les sur-le-champ pour profiter de notre incroyable série de live streams diffusés depuis le festival créatif OFFF à Barcelone ! Au programme ? Des ateliers artistiques et des interventions de designers renommés qui passeront en revue plusieurs portfolios, pour les spectateurs des live streams aussi bien qu’aux personnes présentes sur place.
L’occasion pour demander à des créatifs réputés d’analyser votre portfolio, en direct et en ligne
Au cours de ces trois journées, nous diffuserons en direct des sessions avec les principaux intervenants du festival : des responsables créatifs et des artistes tels que Dan Mumford, Velvet Spectrum, Elise Swopes, Jamhot, Gary Baseman, Annie Atkins, Tina Touli, Ben & Julia et bien d’autres. Ces live streams se dérouleront chaque jour, du 6 au 8 avril, à partir de midi (heure de Paris) sur www.adobelive.com – Pour recevoir un rappel, inscrivez-vous ici. Lors de chaque live stream, nous organiserons plus de 20 programmes débordant de créativité, allant de sessions avec des UX designers et artistes d’animation qui partageront leurs conseils et astuces, aux examens personnalisés des portfolios Behance de visiteurs et de spectateurs en ligne… y compris le vôtre ! Rendez-vous dès maintenant sur notre site web pour les inscriptions et faites ici une demande d’examen personnalisé de portfolio.
Vous êtes assez chanceux pour vous rendre en personne à OFFF ? Si oui, venez nous voir à l’Adobe Experience Lounge ou participez à nos ateliers Make It On Mobile – cliquez ici pour vous inscrire. Pour ces ateliers, nous rassemblerons un panel de designers numériques de renoms dont Dan Mumford, Elise Swopes et Andreas Preis. Ils présenteront de nouvelles manières d’utiliser les applications mobiles Creative Cloud, que vous soyez chez vous ou en déplacement.
Connectez-vous au live stream
N’attendez pas ! Ajoutez dès aujourd’hui nos live streams dans vos favoris et revenez le 6 avril à midi (heure de Paris) pour prendre part à cet événement si spécial. Nous espérons vous y retrouver nombreux.
Les live streams OFFF 2017 seront retransmis sur www.adobelive.com (en anglais).
Pour participer à la conversation, utilisez #AdobeLive et #OFFF17.
Pour plus d’informations sur OFFF, consultez : http://offf.barcelona/
 Indiquez-nous quels intervenants vous souhaiteriez voir à OFFF ! Faites-nous part de vos réflexions sur Twitter avec les hashtags #AdobeLive et #OFFF17. Vos commentaires sont les bienvenus !

Rockstar Tips & Tricks for AEM Forms


AEM Rockstar at 2017 Adobe Summit
This year over 12,000 people, including attendees from 1,600 Partners, will be at Adobe Summit, making it the largest Summit ever. Over 200 sessions and labs are held during Summit, including the AEM Rockstar session. This year’s AEM Rockstar session features five winners who submitted their favorite Tips & Tricks for working with Adobe Experience Manager. In upcoming weeks, come back here to see more posts detailing the best tips & tricks from the five AEM Rockstar winners and some of the runners-up.
Todays’s guest post is written by AEM Rockstar runner-up Gary Howell, who is a Sr. Development Manager at iCiDIGITAL, a digital agency in Raleigh, NC that specializes in AEM. Gary has expertise in Adobe CQ5, Java, OSGi and Sling and has extensive frontend development and server-side coding experience. 
Five Tips and Tricks to use AEM Forms More Effectively
Forms are a part of nearly every site on the web. From Fortune 100 companies to the pizza place down the street.
There are many different form solutions you can use on your site, but for many of them you must install a plug-in or go through a complex set-up. However, if you are using an AEM platform, you have the benefits of AEM Forms, allowing users to easily create, manage, and track forms on their site.
There is a lot of good documentation on AEM Forms on the Adobe site, but I figured I’d save you some time by showing you five tips and tricks that my team and I have found to use AEM Forms more effectively.
1)    Form Fragments: Form fragments are most commonly used when you have sections or part of a form you want to reuse on multiple forms. They allow you to easily create part of a form – such as a signature – as a form fragment. You can then reference that specific form fragment on other forms across your site. The power of form fragments is that if you modify a piece of your signature form fragment, for example, the year, you have to change it only once and it will change on all your forms.
2)    Rule Editor: Normally you need to write custom code to execute specific rules on a form such as showing, hiding, validating a field, or disabling a piece of the form. But AEM Forms comes with a rule editor that allows you to easily add this functionality. For example, you can add a rule so that when a user selects a checkbox to have their billing address the same as their home address, it will prefill the billing address with the values they previously entered. Cutting down on the time a user spends on your form means getting one step closer to making a conversion.

3)  E-Sign: One of the major pain points with forms on the web – and one that halts conversions – is when the user has to print out a form, sign it and then resend it to you. With AEM forms, you no longer have to do that. AEM Forms comes out of the box with the E-Sign function to enable authors to create forms that can be safely and securely signed by designated users online, with no printing needed.

4)    Form Submission: If you’re managing multiple sites or have a fairly complex site, this feature can be one of the most important. AEM Forms allows developers to easily submit forms in a variety of different ways. For example, you can develop a servlet that submits to a REST endpoint that sends data to your SalesForce instance. Or when a user fills out a form, you can kick off a workflow that notifies a user group that there are new submissions in their inbox, so they can quickly get in touch with their users.

5) Output Service: Outputting forms in various formats such as PDF, PNG, or in a custom format has always been a challenge. Luckily with AEM Forms output service you have an API you can tap into to easily output your forms in a variety of formats. Not only does the output service allow you to generate printable PDFs, but it supports output design features of Adobe LiveCycle Designer ES4 – a key feature for anyone coming from a LiveCycle instance to AEM Forms.
With the release of AEM Forms, you no longer need to create a completely custom solution on your own, thereby reducing the difficulty of upgrading and maintaining your library of forms. AEM Forms frequently comes out with new releases, and each one has new enhancements and features. Keep a look out for what AEM Forms has to offer in the future!

Be True to Yourself: Ann Lewnes on Seizing Opportunities

In celebration of International Women’s Day and Women’s History Month throughout March, we’re featuring women who are shattering stereotypes in their personal and professional lives. From artists to engineers, women who have forged their own path inspire us and women everywhere to accomplish whatever we dream of being.
Ann Lewnes is CMO at Adobe and, though a native New Yorker, has always worked in Silicon Valley tech. In fact, she describes her entire career experience as a bit of a paradox due to her willingness to try anything. Road-tripping to California from New York after college brought career opportunity number one. Taking a job in tech, outside of her training in journalism, was another. Read our interview with her to see how taking the opportunities that come your way can help shatter the stereotypes you face.
Ann, give us an overview of your career — what was your path to Adobe CMO?
I’m a New Yorker, born and bred. I attended Lehigh University in Pennsylvania where I majored in International Relations and Journalism. The plan was to become a journalist, but a spontaneous decision to pack up my Honda Civic and road trip to California led me to Silicon Valley — the land of opportunity. Or, actually, at that time it was more like the land of endless orchards! I visited the Palo Alto Women’s Resource Center and paid $1 to look through their jobs binder. Two jobs caught my eye: one at a publishing company and one at Intel, a semiconductor company I had never heard of. I called my dad and asked him what to do. He told me to work at Intel, a larger company where I’d have access to a plethora of learning opportunities.
He was right. I joined Intel when it was a $1B company transitioning to lead the emerging microprocessor industry. Under the leadership of CEO Andy Grove and an amazing mentor, Dennis Carter, I learned everything I know about marketing — from PR to advertising to web marketing to enterprise marketing. I was planning to leave for business school when Dennis convinced me to stay and work on a special project — the beginning of the iconic “Intel Inside” campaign. After 20 years, we were a $40 billion company and a brand powerhouse. Then I got a call from Adobe.
I had always admired Adobe from afar. As a creative person myself, its mission to inspire creativity in everyone resonated. I saw the same opportunity for growth I had seen at Intel 20 years before — a great brand that was undervalued and on the cusp of something big. That was 10 years ago. Since then, we’ve led one of the most successful business transformations in tech history and become one of the fastest growing global brands. I’m incredibly proud to lead the most amazing marketing team in the world. They make all of this possible.
How have you shattered stereotypes in your role?
Two things come to mind: I’ve always been true to myself and I never shied away from risk.
When I moved to California and started to work in technology, I didn’t fit in. I was from New York. I was pushy, female, creative, and artsy in a sea of engineers. I could have caved to stereotypes and changed who I was to fit in. Instead, I recognized that I brought a unique perspective to the table with my strong communication skills and creative mindset. Leveraging these two assets allowed me to bring my best self to work without having to compromise who I was.
Women are often seen as risk-averse, but if there’s one common theme as I reflect on my career, it’s that I never shied away from opportunity, even when it felt risky. Whether it was my chance decision to road trip to California and leave everything I knew behind in New York, join a technology company like Intel that I knew nothing about, or leave the strong network I had built at Intel for 20 years to join Adobe, risk-taking has been a central part of my career and it has served me well so far.
What advice do you have for other women in their quest to shatter stereotypes?
Seize every opportunity that comes your way — even ones that don’t appeal to you. I was once at a women’s event where a young woman asked me how to deal with “demeaning requests, like planning the company holiday party.” I told her that I actually love to plan events and have become pretty darn good at it (we are hosting over 12,000 customers at our annual Digital Marketing Summit this week in Las Vegas). You can view requests as demeaning, or as great opportunities to show your creativity, ability to get results, and willingness to take on a project outside of your daily scope. I have done a lot of things that people might find beneath them and I have always done my best.
My second piece of advice is to advocate for yourself. While I don’t think you should turn down opportunities, you should make sure you get the resources needed for the job. When I was just starting out, a more senior male colleague of mine left the company and recommended me for his role. He generously told me his salary to ensure that I got what was due to me. I took the role and was not offered the higher salary, so I marched into my new boss’ office and asked for it. And I got it.  
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