Virtual Reality: The User Experience of Story

Sign up to get exclusive news, product release news, tutorials, best practices and more — exclusive for Adobe business customers.
“Designers stand between revolutions and everyday life. They’re able to grasp momentous changes in technology, science, and society and convert those changes into objects and ideas that people can understand.”
–Paola Antonelli
In September 2013, Stanford researchers conducted an unusual experiment. Outfitting volunteers with virtual reality (VR) headsets, they researched the behavioral effects of giving someone a simulated experience of having a superpower, namely, the power of flight.
They wanted to know if an experience in the virtual world could have a lasting effect, one that might continue into the physical world. In the simulation, they gave volunteers the following story:
There has been an earthquake warning, and the city has been evacuated. A child has been unaccounted for, and the parents have informed authorities that their child is diabetic and will go into shock without insulin. You have a vile of insulin in your pocket. Your task is to fly through the city to find the child and deliver the insulin, saving the child’s life. You may now begin your search. Lift your arms above your head to take off from the ground.
While none of the volunteers left the experience thinking they could fly, something almost as strange did take place: Volunteers were measurably more altruistic in their subsequent daily life.[1]
Not only were the study’s participants more likely and more willing to help others, they were faster to help. And helped for a longer time. Though each volunteer was consciously aware they were no longer a superhero, they did, at least in some small way, continue to act as one.
There have been many VR experiences in which people can fly. In helicopters, in planes, on flying carpets. But what was different in this experience was the researchers didn’t just give viewers new technology—they gave them a story.

VR is a storytelling superpower. No other medium has the quite the same potential to create empathy and drive human connection. Because viewers are for all intents and purposes living the experience, they walk away with that history coded into their memory banks—easily accessible for future responses.
However, while much of the research into Virtual Reality has been about solving hardware or systems software challenges, the really hard problems have to do with content.[2]
As Disney discovered when researching the use of VR to simulate a ride on Aladdin’s Flying Carpet,[3] users can believe they are flying, that they are in a real place that could exist in the real world. But, the second they can’t interact with the other aspects of the experience (i.e. talk with characters or pick up objects), the illusion shatters.
Solving the content problems in VR requires new skills that are only just starting to be developed and understood, skills that are quite different from traditional storytelling. VR is a nascent medium. One part story, one part experience. And while many of the concepts from film and theater can be used, storytelling through VR is not like making a movie or a play.
Scenes have no edges. Action takes place behind the camera. The narrative unfolds at the command of the viewer. And then there are the physical considerations of the audience themselves. Bad movies lead to boredom. Bad VR leads to motion sickness.

In VR, the user has to be guided through an experience of a story, which means many of the challenges in telling a VR story are closer to UX design than anything from film or theater.
Take the issue of frameless scenes. In a VR experience, there are no borders, and no guarantees where a user will look. Scenes must be designed to attract user attention, in order to guide them through the experience of a story.
Sound design, staging cues, lighting effects, and movement can all be used to draw a user’s attention.
However, it’s a fine balance between attraction to distraction.
“In VR, it’s easy to overwhelm the user. If you see a flashing light and in the background, you hear a sharp
siren, and then something moves, you’ve given the user too many things to understand,” says Di Dang,
User Experience Lead at POP, Seattle. “Be intentional and deliberate about how you grab audience attention.”
While addressing UX challenges, content creators must still contend with the existing challenges of telling a good story. Characters and dialogue must evoke strong emotions. Plots must offer deep engagement. And the narrative must maintain the integrity of the world you are creating. In VR, this integrity means maintaining what is known as the fidelity contract.
“The goal of VR is not to create a photorealistic environment. It is to uphold the contract with the user that things are consistent with the experience of the real world,” says Di Dang. “Users have to believe they are seeing things in a place that could exist and that the interaction with that place makes sense.”
This balance between the “place illusion” and the “plausibility illusion” is not something that can be solved with traditional approaches to storytelling. You cannot make a VR environment feel more real by describing it in more detail.
Instead, it must be solved at the user experience level. UX designers help to define the rules for a particular virtual world and then help storytellers to craft narratives that maintain those rules. In VR storytelling, you can convince someone they are standing on the surface of Mars, but if they can’t pick up the rocks, they won’t believe it.
Stories give meaning to experience. Our lives are not just the passing of time, they are filled with struggles and triumphs and defeats. In many ways, designers share the same goal. They too want to give users an experience that has meaning, that makes sense. That has a lasting and positive impact on people’s behavior.
The interplay of “story” and “experience” in a VR environment means that, more than any other medium, storytellers are required to think like designers and to navigate the difficult process of translating a story into an experience.
In Virtual Reality, the experience IS the story. For a VR story to work, one cannot exist without the other.
What this means in the long term is difficult to say. VR is changing not only the way we tell stories, but also the kinds of stories we are able to tell. Rich with empathy and human connection, directed by users and enabled by design thinking, it beckons creative thinkers with the potential to tell stories that no one has ever told. To boldly go where no one has gone before. To write the future.
As mediums mature, writers, directors, and audiences develop a shared lexicon. Close-ups. Jump fades. Montages. We understand these things in film and TV, but are still discovering what they mean in the world of VR.
As VR continues to develop, perhaps we will see the emergence of Story Experience or Story UX—a new superpower that merges the skills of storytelling with the discipline of design thinking to create experiences that tell stories.
If the short history of VR is anything to go by, designers are not just going to be important in the emerging world of VR—they are going to be superheroes.
Want more? Sign up to get exclusive news, product release news, tutorials, best practices and more — exclusive for Adobe business customers.
[1] Rosenberg, Robin S., Shawnee L. Baughman, and Jeremy N. Bailenson. “Virtual superheroes: Using superpowers in virtual reality to encourage prosocial behavior.” PloS one 8, no. 1 (2013): e55003.
[2] Pausch, Randy, Jon Snoddy, Robert Taylor, Scott Watson, and Eric Haseltine. “Disney’s Aladdin: first steps toward storytelling in virtual reality.” In Proceedings of the 23rd annual conference on Computer graphics and interactive techniques, pp. 193–203. ACM, 1996.
[3] Pausch, Randy, Jon Snoddy, Robert Taylor, Scott Watson, and Eric Haseltine. “Disney’s Aladdin: first steps toward storytelling in virtual reality.” In Proceedings of the 23rd annual conference on Computer graphics and interactive techniques, pp. 193–203. ACM, 1996.

[Inspirations] Interfaces vocales

De quoi les interfaces vocales donnent-elles le ton ? Si le mode majeur des interfaces a été jusqu’à présent graphique, la petite musique des assistants personnels se fait entendre de plus en plus. On oublie souvent que dans l’histoire des interactions homme-machine, le remplacement des écrans par des interfaces vocales est un leitmotiv depuis les années 1980. Leur potentiel a beaucoup été mis en scène dans la science fiction (2001 : A Space Odyssey, Star Trek, Tron, Terminator, Iron Man…), mais elles avaient jusqu’au début des années 2010 trouvé peu d’écho dans le marché du grand public.
L’ancrage des usages des interfaces vocales est aujourd’hui bien réel : aux Etats-Unis, jusqu’à ¼ des recherches sur mobile sont vocales. Si elles n’ont pas pour vocation de remplacer l’interaction au clavier et à la souris, elles offrent une alternative très intéressante.
Les professionnels de la création ne sont pas en reste. Les équipes de recherche d’Adobe ont notamment  dévoilé, en janvier 2017, une vidéo qui met en scène ce que pourrait être un assistant personnel pour la retouche d’images. Avec Adobe Sensei, les interactions vocales entrent dans le processus créatif. Grâce à la reconnaissance vocale, l’assistant intelligent prend en compte les instructions vocales des créatifs pour travailler sur les applications mobiles d’Adobe.

Qu’ils se nomment Alexa, Cortana, Siri ou Google Assistant, les assistants personnels embarquent pour leur part un imaginaire puissant, qui s’incarne aussi de façon graphique. De leur côté, ils montrent que les interfaces graphiques sont toujours utiles en support des interfaces vocales.
Cale LeRoy, de l’agence américaine Cooper a ainsi identifié les 6 moments clés pour lesquels un retour visuel est précieux dans une interface vocale : le démarrage, l’écoute, la réflexion, la parole, l’ajustement du volume sonore et la mise en silence. Tour d’horizon de ce que les interfaces vocales ont de plus graphique à exprimer.

2001 : A Space Odyssey

Blade Runner

Iron Man


Your Google Assistant: Ready To Help

Cortana: Your Assistant for Life

Siri and Liam – Earth Day

Amazon Echo

GE Integrates Amazon Alexa Inside Sleek Table Lamp

10 Life-Hacks für das Fotografieren auf Festivals mit Sven Doelle

Ich gebe es zu: In Sachen Festivals bin ich wahrscheinlich ein Spätzünder. Erst 2013 habe ich überhaupt mein erstes Festival besucht. Seitdem habe ich aber Festivals lieben gelernt. Besonders das „Melt! Festival“ hat es mir angetan. Dort war ich auch in diesem Jahr wieder zusammen mit meinem guten Freund und Fotokünstler DomQuichotte. Ich mag die unvergleichliche Atmosphäre mit dem Setting zwischen Schaufelradbaggern und anderen riesigen Tagebaugeräten, den vielen Einzelbühnen und Bereichen wie Beach und Forrest zum Entspannen, den coolen Musikmix aus Elektro, Pop, Club und Indie und ein facettenreiches und kunterbuntes Publikum jeden Alters.
Dass dabei unendlich viele, faszinierende Fotogelegenheiten entstehen, könnt ihr euch sicher denken. Doch die beschränkte Mitnahme großer Kameras und die unbeständige, nicht immer elektronikfreundliche Witterung macht das Fotografieren auf Festivals auch zur Herausforderung. Wer ein paar Ratschläge beherzigt, kann jedoch mit einer großartigen Fotoausbeute zurückkehren, die sich nicht nur auf Instagram und Facebook sehen lassen kann – auch dank Smartphone-Apps wie Lightroom mobile (kostenlos für Android & iOS). 😉
So und jetzt wird es Zeit für Doms und meine liebsten Life-Hacks für das Fotografieren auf Festivals.
Vor dem Festival vorbereiten

Foto-Pässe: Bereitet euch schon vor der Anreise bestmöglich vor und erkundigt euch nach sogenannten Foto-Pässen. Nur mit einem solchen Ausweis dürft ihr auch mit einer größeren Kamera samt Wechseloptik das Festivalgelände betreten. Die Foto-Pässe sind allerdings überwiegend Medienvertretern vorbehalten. Da viele Kreative aber einen Blog, YouTube-Kanal oder eine andere Medienpräsenz betreiben, haben sie dennoch (bei entsprechender Reichweite) eine Chance auf einen Foto-Pass. Wer keine komplexere Kameraausrüstung dabei haben kann, hat aber auch mit seiner Smartphone-Kamera eine völlig ausreichend leistungsstarkes Kreativ-Tool dabei.

Wetterschutz für eure Kamera: Nicht jedes Festivalgelände verwandelt sich nach einem Regenguss sofort in eine Matschwüste. Dennoch solltet ihr eure Kameraelektronik vor Dreck und Feuchtigkeit schützen. Viele Smartphones sind gegen Staub und Wasser abgedichtet. Erkundigt euch, ob euer Smartphone mit einem entsprechend ausreichenden IP-Schutz zertifiziert ist. Andernfalls solltet ihr euch eine wasserfeste Tasche für euer Smartphone zulegen oder einen Rucksack für eure Kamera griffbereit haben, damit euch ein unerwarteter Schauer nicht auf dem falschen Fuß erwischt.

Auf dem Festival fotografieren

Fotorechte: Vergesst vor lauter Festivaleuphorie nicht die Rechtslage. Fotografiert ihr einzelne Menschen, sodass ihre Gesichter erkennbar sind, bittet sie vorher um Erlaubnis. Diese Absicherung ist umso wichtiger, wenn ihr die Bilder auf einem Blog oder zu anderen öffentlichen Präsentationszwecken verwenden wollt. Was die Location und das Programm betrifft, liegen die Rechte beim Veranstalter. Gibt es vor Ort weiteren Klärungsbedarf, habt am besten eine Visitenkarte zur Hand. Im Eifer der Festivaldynamik verliert man sich schnell aus den Augen.

Die Möglichkeiten von Raw nutzen: Immer mehr aktuelle, hochwertigere Smartphones können Fotos als Rohdatenformat DNG aufnehmen und speichern. Verschenkt diese Möglichkeit nicht. Und sei es nur, um später in Lightroom etwaige Farbstiche der künstlich beleuchteten Bühne und Festivalstände einfach korrigieren zu können.

Smartphone für spontane Fotos vorbereiten: Häufig unterstützen die nativen Kamera-Apps von Smartphones nicht das Raw-Format. Dann braucht ihr eine Zusatzapp wie Lightroom mobile. Darin ist auch ein Kameramodul integriert. Mit einem Widget könnt ihr schneller auf Lightroom-Kamera zugreifen und spart euch kostbare Augenblicke. Auf dem iPhone aktiviert ihr das Lightroom-Widget über die Mitteilungszentrale. Anschließend wischt ihr im gesperrten Zustand nach rechts und könnt sofort die Kamera aktivieren. Bei Android-Geräten könnt ihr ein Icon für das Lightroom-Kameramodul im Widget-Menü auf den Startbildschirm platzieren.

HDR-Fotos mit hoher Dynamik: Habt ihr nicht das Glück, eine Kamera mit großem Sensorformat durch den Einlass zu bekommen, müsst ihr nicht auf rauscharme Bilder im Schummerlicht verzichten. Zum Beispiel lassen sich Sonnenuntergänge auch gekonnt mit dem Smartphone festhalten. Lehnt das Smartphone dafür am besten an einen festen Gegenstand, um die ISO niedrig zu halten und Verwackler zu vermeiden. Belichtet auf die hellste Stelle. Dabei wird der Vordergrund im Normallfall zwangsweise zu dunkel. Hingegen mit dem HDR-Modus im Lightroom-Kameramodul erzielt ihr auch schon ohne Nachbearbeitung eine ausgewogene Belichtung. Diesen Modus findet ihr links vom Auslöseknopf im Dropdown-Menü. Mehrere Android-Geräte und aktuelle iPhone-Modelle unterstützen diesen Modus.

Mal experimentieren: mein Kumpel Dom kommt da immer wieder auf Ideen! Damit sich seine Festivalbilder von der Masse abheben, hat er farbige Folien und kaleidoskop-ähnliche Gläser vor sein Kamera-Objektiv gehalten. So also entstehen seine ziemlich einzigartigen Bildlooks! 🙂 Mir ist das zu umständlich. Wenn es euch auch so geht, könnt ihr alternativ die Presets im „Vorgaben“-Menü von Lightroom für iOS und Android nutzen – und wenn das nicht reicht via Photoshop CC zum Beispiel die von Krolop&Gerst angebotenen Light Leaks für ähnliche Effekte anwenden.

Bilder mobil an Ort und Stelle bearbeiten

Sofortkorrekturen für unter 3 Minuten: Es ist allgemeinhin akzeptiert, dass Smartphone-Bilder von Live-Ereignissen nicht perfekt aussehen müssen. Dennoch könnt ihr euren Followern dank Lightroom mit nur wenigen Handgriffen deutlich bessere Ergebnisse liefern. Diese drei meiner liebsten Basic-Funktionen passen immer!

Schiebt unter „Licht“ die Regler für Belichtung und Tiefen nach Belieben nach rechts, den für Lichter nach links. Damit vermeidet ihr zu dunkles Publikum und überbelichtete Wolken. Mit der Weißabgleichs-Pipette korrigiert ihr den Farbstich, den Scheinwerferlicht oft erzeugt. Unter „Farbe“ schiebt ihr dann vorsichtig den Dynamik-Regler nach rechts, damit bunte Festivaloutfits und illuminierte Stände noch intensiver rüberkommen. Das geht alles blitzschnell, sodass ihr euch sofort wieder dem Festival widmen könnt. (Eine kurze Einführung für die ersten Schritte mit Lightroom mobile findet ihr übrigens hier:

Schlechtes Wetter retuschieren: Ist das Festivalgelände neblig oder der Himmel darüber wolkenverhangen und grau, muss euch das nicht den Foto-Look verhageln. In Lightroom könnt ihr mit zwei meiner liebsten Regler für klare Sicht und eine dramatische Zeichnung in den Wolken sorgen. Sie heißen „Klarheit“ und „Dehaze“. Ihr findet sie unter „Effekte“.

Social-Media-Posts mit Wow-Effekt: Wollt ihr aus euren Festivalbildern eine Webpräsentation oder einen Social-Media-Post gestalten, ist es meist angenehmer ein Tablet-Display anstelle eines Smartphone-Display zu betrachten. Auf dem Tablet nutze auch noch lieber das selektive Pinselwerkzeug, dass das Sommer-Update für Lightroom hinzugefügt hat. Beim Melt! Festival habe ich dafür meine DNG-Dateien vom Android-Smartphone per Creative-Cloud-Sync mit Lightroom auf das iPad übertragen und dort in Adobe Spark Natürlich könnt ihr übrigens auch Raw-Fotos von eurer Systemkamera oder DSLR aufs Tablet importieren und mit Lightroom bearbeiten. Fürs iPad sollte das ein Lighting-zu-SD-Adapter sein, für Android ein OTG-Kabel mit USB-C- oder Micro USB-Anschluss.

Weitere Foto-Hacks für Eure Festival-Bilder präsentieren wir euch am 24. August. Ich freue mich schon auf das nächste Festival und tolle Fotogelegenheiten.
Viele Grüße
Euer Sven (und Dom!)

TCTrainNet Meets Adobe FrameMaker


Starting with the next TCTrainNet course in September 2017, all participants in TCTrainNet will have the opportunity to benefit from a latest full version of Adobe’s FrameMaker. While studying the training unit on “The DITA Standard for Technical Communication,” participants will further have the chance to practice some hands-on learning with the latest version of Adobe FrameMaker.

In this post:

About TCTrainNet

TCTrainNet Course Overview

tekom Competence Framework


Benefits of TCTrainNet Training

Get a free TCTrainNet Guest Trial

Next TCTrainNet Starting Dates

About TCTrainNet
TCTrainNet is a trainer-guided online training and tekom certification program in technical communication. The curriculum was developed based on over 30 years of experience and expertise of tekom in the field of technical communication. Regardless of their professional background, participants can establish and deepen their knowledge and skills with 25 training units – in a time period of eight months. All interactive training materials were developed in cooperation with leading experts from both industry and academia. While meeting the German tekom standard, TCTrainNet will also prepare you for the international tekom certification examination to become a qualified “Technical Communicator (tekom).”
As a trainer-guided online training program, TCTrainNet provides the option to study whenever and wherever you like while you get direct support by an experienced online trainer. In addition, participating in this certificate program also provides you with a unique, live opportunity to exchange virtually with the other participants in your course.

TCTrainNet Course Overview
The curriculum of TCTrainNet has been developed in accordance with the tekom competence framework, guaranteeing a high qualification standard. Based on this framework, the training comprises five competence areas describing the steps leading to the creation of an information product. Each competence area includes several topics comprising one to five training units.

tekom Competence Framework
tekom’s cross-industry competence framework for technical communication forms the basis for this training program. It was launched in 2016 and replaces the former tekom qualification modules. The tekom competence framework has been developed in a project with the help of a Technical Committee from the Advisory Body for Training and Development and describes the occupational profile and potential job profiles in technical communication. Competences for people working as technical communicators are defined in the competence framework through a taxonomy that is based on the reference process for developing information products. Each process step includes several fields of competences comprising thematic blocks, teaching content and – at the lowest level – learning objectives.

“The DITA Standard for Technical Communication” is one of the 25 training units of TCTrainNet. DITA is a methodology and an open standard built on XML developed and maintained by OASIS. The workflows and practices used in technical communication are changing from the previous style-based approaches to structured XML-based approaches because XML is more efficient and flexible. An understanding of DITA and XML authoring is therefore very important to technical communicators. Transition to a DITA authoring approach is based on the same core writing skills of technical communicators but requires a paradigm shift in thought when it comes to how information is designed, structured, marked up, re-used, and processed.

Structured Authoring with DITA
One of the principles of XML-based authoring is the separation of content and form, where authored documents contain semantic markup rather than presentational markup. The presentational form of the document is used during an automated publishing process. This approach encourages single-sourcing, where the same information is re-used in different publications. All this reduces the author’s workload.

The DITA Standard
DITA is – perhaps most importantly – a technical communication standard. The DITA standard is administered and further developed by volunteer technical communicators under the auspices of the OASIS standards body.
Authoring and publishing tool vendors ensure that their products comply with the standard. You can choose from a variety of tools to author and publish DITA content, and you can exchange content with other DITA authors because DITA has an open, standard file format.

Benefits of TCTrainNet Training
As a training program that exclusively takes place online and that is guided by an experienced online trainer, TCTrainNet offers several benefits for individual training participants as well as for employers who plan to train their staff members in technical communication.

As an Individual
Individual training participants can profit from the training by acquiring the internationally recognized tekom certification. Further, the training offers a high level of flexibility because the entire training can be taken online, regardless of time zones. Individuals can work through the training at their own pace and study whenever and wherever is best for them.
The training helps individuals:

Use the tekom certificate to self-market their skills
Keep their qualification up to date
Discover exciting new aspects of their profession
Increase their employability
Gain more job mobility
Profit from an exchange with other training participants

As an Employer
For employers, the training program provides relevant opportunities to improve business performance, qualification and also help improve staff morale. Additionally, the online training can easily be incorporated into daily business.
The training helps employers:

Increase the qualification of their staff members
Establish a comparable and standardized qualification level for their international teams
Be more cost-efficient

Get a free TCTrainNet Guest Trial
Do you want to have a first look at the training program? Get your free trial account on our website or directly contact our TCTrainNet team with any further questions.

Next TCTrainNet Starting Dates
Training courses are conducted every two months.
The next starting dates are:

September 11, 2017
November 6, 2017
January 22, 2018
March 26, 2018

Help Protect Your Devices: Update Your Software

When you receive a notification from your computer that it’s time to update your software, do you immediately accept it or do you delay your software update because you’re in the middle of something? If you’re like 64 percent of American, computer-owning adults, you recognize how critical software updates are and update your software immediately. Another 30 percent update their software depending on what the update is for. That’s 94 percent who recognize software updates and at least consider taking action when prompted.
We asked a nationally representative sample of ~2,000 computer-owning adults in the United States about their behaviors and knowledge when it comes to cybersecurity. Interestingly, attitudes toward updating software has changed for the better in the last five years. It seems consumers are more likely to update their software immediately, indicating that updates are becoming easier for consumers to install, and that computer-owning adults are better informed on how and why updating software is so important when trying to protect their identity and devices. While a majority update their software promptly on their computer, 83 percent are equally or more diligent in updating their smartphones than their computers. No matter what type of device you own – computer, tablet or smartphone – it’s critical to keep all your software up to date, as soon as the update is available.
Here are some additional insights from the survey on current practices regarding software updates and also some tips and reminders on why you should be updating your software – no matter the device – regularly.
Keep Your Software Up to Date (It’s Critical)
Across the industry, we continue to see how attackers are finding holes and exploiting software that is not up-to-date. In fact, attackers may target vulnerabilities for months – or even years – long after patches have been made available. Keeping your software up-to-date is a critical part of protecting your devices, online identity and information. The good news is that according to our survey results, 78 percent of consumers recognize the importance of keeping software up-to-date. Among those who typically update their software, 68 percent indicate that both security and crash control are top reasons for updating.
No matter the reason, keeping your software up to date should become a part of your regular routine;

Select automatic updates. When possible, select automatic updates for your software – that way, your devices will automatically update without having to add another item on your to do list.
Select notification reminders. If you prefer to know exactly what updates are being installed, you can set notifications to remind you to update the software yourself. Our survey results show that 1 in 3 people update on the first notification; interestingly, adults of the Baby Boomer generation are most likely to update their software after one prompt while those tech-savvy Millennials are more likely to need 3 to 5 notifications to update software. For all those not updating on the first prompt, we suggest selecting automatic software updates when possible.

Legitimate Software Updates
While a majority of our survey respondents noted that they frequently update their software, there was a very small group that indicated the reason for not updating their software is because they don’t trust that the update is legitimate. If you share this same concern, here are a few tips and reminders to help ensure you are downloading legitimate software:

Set automatic software updates. To help ensure that you are downloading legitimate software, when possible select for your software to be automatically updated. One less thing to do on your end that keeps your computer in check!
Check for the software update directly on the company website. When updates or patches to software are available, companies typically have updates on their website. If you’re unsure about a notification, double check on the software company’s website.
Be wary of notifications via email. Some companies may send notifications of software updates via email. Be cautious with these, as attackers often use fake email messages that may contain viruses that appear to be software updates. If you’re unsure about the software updates you receive as an email, check the company’s website to download the latest patches. And don’t fall victim to phishing ploys! See our blog post on tips for recognizing phishing emails.

Staying One Step Ahead
The technology industry is consistently moving forward and the task of updating software should continue to progress and be made as simple as possible for users. Especially since the majority of exploits appear to target software installations that are not up-to-date on the latest security updates.  Adobe strongly recommends that users install security updates as soon as they are available. Or better yet, select the option to allow updates automatically which will install updates automatically in the background without requiring further user action.
Dave Lenoe
Director, Adobe Secure Software Engineering Team (ASSET)

Survey Infographic (PDF download)
About the Survey (PDF download)

Hannah Argyle: How to create Instagram-ready snaps

Each week, as part of our Lightroom Coffee Break series, we’ll be hearing from some of the hottest photographers and Instagrammers to bring you bite-sized hacks for editing in Lightroom.
This week, we caught up with Hannah Argyle, a hugely successful mummy blogger, photographer and stylist, who shared her handy hints and tips on what it takes to create a strong online presence, how to create the perfect Instagram ready photos and her favourite features for speeding up her workflow…
Adobe: You’re a successful photographer, content creator, blogger and a mum. Tell us how you started your career in blogging?
Hannah: Thank you! Blogging actually came second to Instagram for me. I only started my blog just over a year ago. I’d already gained quite a good following on Instagram and was regularly working with brands and a blog seemed like a natural progression. I wanted to try and cement my career as a photographer outside Instagram, and have a dedicated space to not only use to for collaborations and to showcase more of my work, but to share what I have learnt over the last few years about photography. Hopefully I can inspire other people that they can do it too!
A: Have you worked with any cool brands over the years?
H: Yes I’ve been very lucky! I’ve worked with many different brands, travel companies like Club Med and Thomson Cruises, homeware stores such as Anthropologie and Laura Ashley and fashion with companies like Marks and Spencer and Fatface. I have also worked with Land Rover to launch their recent Discovery model, photography wise I’ve worked with Nikon, and of course Adobe!
A:  How important is photography to creating an online presence?
H: These days we are exposed to more and more high quality images than ever, with so many beautiful Instagram accounts, blogs and Pinterest imagery online. We live in a very visual age, where great writing needs to be supported by good images in order to grab people’s attention. So, if you can create your own great images to support your blog articles, or promote your brand online, you have a good head start.

 A: You have over 200,000 followers on Instagram, can you share any tips on how to create engaging content for Instagram?
H: I think consistency is the most important thing on Instagram. It’s important to keep producing content of a good quality, that fits with your aesthetic and style, so that people know what they can expect from you. Post regularly (but not too much!), interact with people as much as you have time for and be strict with yourself to only post your very best content. Also treat it like a mini blog, add in a little personality and allow people to get to know you.
A: Are there any quick tricks you can share for creating the ultimate Instagram or blog-ready photos in Lightroom?
H: The most important thing is to check your edits, against your own edits. I use the Flag Filters feature to build a collection of photos that are going to be exported to my blog or Instagram account. This way I can look at the little gallery of work and make sure the appearance is consistent. Check your white balance, and make sure the tones of the images look very “you” and fit your profile.
A: What’s one of your favourite photos you’ve taken and why?
H: I have so many favourites! The ones that mean the most to me always involve my children. They are the reason I learned how to take photos, and I love pictures where I can still clearly hear their laughter. The picture with the kite is one of my all-time favourites, one that I hope I’ll still be looking at on the wall when I’m an old lady. The cuddle in the wheat field is also very special to me, a perfect moment on a perfect summer’s day. My Sugarhouse Studios pictures must be in there too. It was the first time I stepped in front of the camera myself, using a tripod and timer, and we had loads of fun! Another memory for the wall definitely.

A: What’s next – have you got any exciting projects coming up?
H: My youngest son starts school in September, so I guess things will change a little then, I will finally be a “full time” photographer and blogger! I have a few trips planned, but travel is difficult for me to fit in around the children and school holidays, so my ultimate aim is to focus on jobs that do fit in with my family and life. I’m working on my house and garden more and have got some collaborations coming up for those. I also hope to get organised with tutoring and running workshops as I get so many inquiries.
Watch Hannah as she explains how to use Flag Filters to speed up your workflow in Lightroom in under 60 seconds.

A huge thank you to Hannah for sharing her expertise with us. You can see more of Hannah’s work on her blog, check out her perfectly-curated Instagram or see what she likes on Pinterest.
Subscribe to the Adobe UK YouTube Channel:

#MakeItYourCity – Das Haus der Woche 2

Wie ihr wisst, läuft derzeit mit #MakeItYourCity eine ganz besondere Creative Challenge bei uns. Gemeinsam mit euch und Designerin Birgit Palma erschaffen wir eine kreative Metropole – und zwar ganz allein mit Hilfe von Adobe Illustrator. Wie das geht und was die Teilnahmebedingungen (und vor allem Gewinne) sind erfahrt ihr hier.
Beinahe täglich erreichen uns neue Entwürfe, die anschließend von Birgit in den Stadtplan eingesetzt werden. Mit dem „Haus der Woche“ wollen wir euch jeweils ein Gebäude vorstellen, das uns ganz besonders gefällt. Bei all den kreativen Ideen, fällt uns die Auswahl natürlich nicht immer ganz leicht. Aber wir wollen es dennoch versuchen… 🙂
Das Haus der Woche #2
Das aktuelle Haus der Woche kommt von Yannik Drost:

„Die Oper von Yannik Drost finde ich sehr hübsch, jede richtige Stadt braucht eine Oper, vom Design her ist sie an antike Opern angelehnt – Yannik selbst hat viele der vorhandenen Elemente neugestaltet, um der Oper somit mehr Detail zu geben. Tolle Idee und super umgesetzt“ – so erklärt Birgit Palma die Wahl.
Wenn auch ihr jetzt Lust bekommen habt, euer ganze eigenes Gebäude mit einem besonderen kreativen Kniff kreieren zu wollen, dann macht mit und werdet Teil von #MakeItYourCity. Der Kreativität sind hier keine Grenzen gesetzt: Es muss kein klassisches Haus sein. Ein Eis mit Türen und Fenstern tut es genauso, wie ein an ein Igloo angelehntes Gebäudedesign. Also: Nichts wie los! Alle Infos zum Wettbewerb findet ihr hier auf unserem Blog und auf
Wir freuen uns über eure Einsendungen! Und wer weiß: Vielleicht ist euer Haus das nächste Haus der Woche! 🙂

[InstaFood] Entretien Justine Taulin de @Pastryandtravel

Être créatif, même avec la nourriture, c’est la passion de Justine Taulin sur son compte Instagram. Elle nous en livre les moindres secrets dans ce billet. 
Bonjour Justine, pouvez-vous vous présenter ?
Je m’appelle Justine Taulin et j’ai 23 ans. Je suis originaire de Normandie. Je suis passionnée de pâtisserie depuis toujours : j’ai toujours fait des gâteaux même toute petite avec ma mère. Depuis peu, je suis devenue végétarienne puis vegan et je me suis tournée vers la pâtisserie végétale au même moment. J’aime aussi beaucoup voyager. J’ai découvert le voyage assez jeune avec mes parents. Je cherche maintenant à allier ma passion pour la pâtisserie et les photos dans un éventuel futur métier car je viens juste de finir mes études dans un tout autre domaine.
Quand avez-vous créer votre compte Instagram Pastry and Travel et pourquoi ?
J’ai créé mon compte Instagram il y a maintenant deux ans pour partager ma passion avec tout le monde. Je ne pensais pas que ça fonctionnerait autant et que beaucoup de gens seraient intéressés par ce que je réalise. A ma grande surprise nous sommes maintenant plus de 25 000. J’aime beaucoup l’aspect social d’Instagram car il m’a permis de rencontrer beaucoup de personnes à travers le monde.
La photo culinaire est à la mode depuis quelques années, comment travaillez-vous vos photos ?
Oui, j’ai vu que ça avait pris beaucoup d’ampleur en France et dans le monde. Je trouve ça super ! Au départ je ne connaissais rien à la photo j’aimais juste en prendre et le résultat n’était pas toujours au rendez-vous. Cette nouvelle passion est venue avec Instagram quand j’ai voulu développer mon compte avec de belles photos. Puis j’ai découvert Lightroom et j’ai appris à l’utiliser petit à petit et je dois avouer que c’est vraiment un logiciel indispensable lorsqu’on veut perfectionner ses photos. J’essaie d’en apprendre plus au fur et à mesure du temps et de me perfectionner encore.

Quelle est votre ligne édito sur Instagram ?
Je partage avant tout des recettes vegan depuis plus d’un an maintenant. J’essaie aussi d’avoir un thème précis ou bien des couleurs qui se ressemblent dans chaque photo que je poste pour essayer de former quelque chose de cohérent. Avec Lightroom j’essaie d’avoir environ toujours les mêmes couleurs de fonds pour que tout s’harmonise.
Quels sont pour vous les faux pas à ne pas commettre quand on a un compte food Instagram ?
Poster trop de selfies ! Un de temps en temps c’est sympa mais trop ça gâche tout. Je pense qu’il faut aussi ne pas trop s’éparpiller et rester dans un thème de photo précis. Par exemple, il faut plutôt être dans une niche de la rubrique food comme “le sans gluten” ou bien “vegan” pour ne pas entrer trop en concurrence avec tous les autres comptes Food qui existent.

Quand avez-vous découvert Lightroom de Adobe ?
Je connais Lightroom depuis longtemps car j’ai vu que beaucoup de personnes l’utilisaient. Et j’ai décidé de l’utiliser il y a moins d’un an. Mais quelle révélation ! Je ne peux plus m’en passer.
Comment utilisez-vous Lightroom de Adobe, utilisez-vous la version mobile ?
J’utilise toujours ou presque le logiciel sur mon ordinateur Mac. J’ai découvert récemment la version mobile que j’utilise également mais comme je change beaucoup de paramètres, j’utilise principalement le logiciel sur mon ordinateur. J’utilise Lightroom plutôt pour redonner de la lumière à mes photos et mettre plus de peps. Par exemple, j’utilise beaucoup la vibrance pour rehausser les couleurs ensemble ou bien séparément.
Quels conseils donneriez-vous à une personne qui souhaite se perfectionner en photo food ?
Je pense que je leur dirai d’essayer d’utiliser Lightroom car c’est assez intuitif et ça rend vraiment la photo beaucoup plus belle. Ensuite pourquoi pas lire des livres qui traitent de la photographie ou encore regarder des vidéos sur Lightroom ou les tutos sur la photo food pour se perfectionner. Il est aussi important d’avoir un assez bon appareil photo pour avoir de jolis détails.

[Tendance de juillet] Enfreindre les règles de composition pour créer des images surprenantes

Ce mois-ci, nous nous intéressons à la manière dont les artistes jouent avec les angles, l’équilibre et la perspective, en nous gardant bien de prodiguer des consignes sur les méthodes « appropriées ». Au contraire : nous analysons la façon dont ces artistes enfreignent délibérément les règles de composition pour nous choquer ou nous décontenancer. Qu’ils aient le changement social, les bouleversements politiques ou les menaces environnementales en ligne de mire, leur rébellion artistique nous désarçonne et nous confronte à la dure réalité. Pour commencer, nous avons recueilli des conseils de spécialistes passés maîtres dans l’art de se moquer des conventions.
Si vous voulez enfreindre les règles, ne faites pas dans la demi-mesure.
Aussi paradoxal que cela puisse paraître, pour enfreindre véritablement les règles, il convient d’en suivre certaines, selon Morgan David de Lossy, photographe, réalisateur et chef de produit sen
ior chez Adobe. Impossible de rompre d’emblée avec des principes qui font référence. Pour bousculer les règles, encore faut-il commencer par les comprendre :
« Il en est ainsi de la plupart des choses dans la vie », précise Morgan. « Il faut d’abord parvenir à l’équilibre.Tirer les enseignements des techniques classiques et les maîtriser.Ensuite seulement le photographe peut s’amuser avec une composition déséquilibrée et décalée à dessein. »
Par la suite, si vous maîtrisez des concepts clés tels que la règle des tiers et que vous avez à cœur de renverser les règles, ne faites pas dans la demi-mesure. Allez-y à fond. « Osez », conseille Morgan.
« Faire preuve de réserve sera perçu comme une erreur. Mais enfreindre une règle avec panache génère des images auxquelles le mental n’est pas habitué, qui font que vos travaux sortiront du lot. »
Pour autant, poursuit Morgan, un équilibre se doit d’être rompu. Il emploie une métaphore pour préciser sa pensée :
« Dans un film, jamais un acteur ne décrit son interprétation. Il ne dit pas qu’il est en colère lorsqu’il joue un homme en colère — ce serait là une bien piètre mise en récit. En revanche, si votre personnage affirme que tout va bien, mais que tout, dans son comportement, dénote la colère, son jeu est alors bien plus intéressant à observer. Parce que vous êtes intrigué et que votre mental se demande ce qui va se passer. Cela vaut également pour la photographie et les arts graphiques. L’œil peut être attiré de multiples façons, mais chaque élément — modèle, composition, éclairage, vêtements — doit participer à une mise en récit impressionnante. »
Si l’équilibre naturel est rompu, étudiez tous les angles possibles.
Shannon Benson, spécialisée dans la photographie de la faune et contributrice Adobe Stock très attachée à la protection de la nature, est experte en images à visée écologique qui subliment l’environnement, mais ont le don de déconcerter. En associant des éléments de composition traditionnels et des angles surprenants, elle oblige le spectateur à y regarder à deux fois.
« Il faut présenter la scène sous son meilleur jour en explorant diverses compositions possibles », précise Shannon. « Pensez à vous déplacer, à prendre le sujet en plongée ou en contre-plongée, à vous rapprocher de lui ou à vous en éloigner pour offrir une perspective originale et faire en sorte que les gens manifestent de l’intérêt. Surtout, réfléchissez au message que vous voulez faire passer et demandez-vous si vos images sont en phase avec cet objectif. »
Imprégnez-vous d’images déroutantes.
Si vous voulez donner dans la composition décalée, plongez-vous dans cet univers — sans doute existe-t-il, non loin de chez vous, une galerie qui vous aidera à trouver l’inspiration. Actuellement, une exposition des œuvres du peintre Otto Dix à Tate Liverpool met à l’honneur les portraits « douloureusement réalistes » de l’Allemagne entre les deux guerres. En phase avec les conseils de Morgan, l’art d’Otto Dix décontenance par sa tension créatrice — nous sommes d’emblée choqués, mais aussi quelque peu charmés. Dans une critique de cette exposition, The Guardian souligne la complexité et les ambiguïtés des œuvres provocantes d’Otto Dix, qu’il décrit comme « cyniques et délibérément obscènes », mais pas complètement négatives. « Son art nous invite à nous interroger sur la signification de la décadence, puisque les scènes scandaleusement érotiques qu’il dépeint expriment une foi dans le progrès social et la libération. »
Reproduction avec l’aimable autorisation de la Tate.
Une nouvelle exposition d’Ai Weiwei au musée Hirshhorn se joue de l’équilibre et de la composition pour inviter les visiteurs à réfléchir à une actualité déconcertante. L’exposition rassemble 176 portraits (réalisés en briques Lego) de militants dont l’artiste dit qu’ils « sont détenus, exilés ou recherchent l’asile politique du fait de leurs actions, convictions ou affiliations. » Si vous n’êtes pas troublé par cette juxtaposition inattendue, vous le serez à coup sûr par le papier peint d’Ai Weiwei. Intitulé « The Plain Version of the Animal That Looks Like a Llama but Is Really an Alpaca », son motif kaléidoscopique est plaisant au premier regard mais, de plus près, sa trame se révèle inquiétante — chaînes, menottes, caméras de surveillance et gros plan sur le logo Twitter (et des alpagas).
Pour passer en revue d’autres décompositions décalées qui vous feront réfléchir, consultez notre galerie Adobe Stock. Nous avons réuni des images qui piquent la curiosité en se jouant du quotidien : portraits d’inspiration cubiste, pied intégrant une chaussure, ou contraste saisissant d’une manifestation, où une femme aux vêtements colorés fait face à un cordon de policiers en uniformes sombres.
Restez fidèles à notre blog ce mois-ci : nous analysons en détail des portraits décalés et nous rapprochons d’artistes qui se jouent des proportions de manière surprenante.

#ProjectFelix 0.3 の提供を開始 3D合成をさらにカンタンに

Project Felixは、3Dオブジェクトと2D画像を簡単に合成できる、アドビの新しいアプリケーションです。私たちの目標は、3Dデザインの経験がないユーザーにも3Dデザインの世界を体験できるようにすることです。
最新アップデートであるProject Felix 0.3では、効率性とワークフローを改善しました。過去6カ月以上にわたって、私たちはユーザーの皆様のフィードバックを募集してきました。お寄せいただいたご意見やご提案を参考にして、要望の多かった機能をアップデートで追加してきました。これまでにライティングの改善、ブックマーク機能の追加、みなさまが毎日お使いのアドビのクリエイティブツールと同じ直感的なユーザーインターフェイスを開発し、プロジェクトのレンダリングの時間を短縮しました。
光は、3Dオブジェクトのレンダリングの柱となる要素です。過去のブログ記事で、光がProject Felixでどのように使用されるかについて説明しました。今回のリリースでは、光を新しい方法で使用します。
アドビのインドア/アウトドアライティングのコンピュータサイエンティストであるJ. アイゼンマン(J Eisenmann)は次のように述べています。「これまで、Project Felixのライティングツールは、画像からの光を伝えるという、画像をベースとした技術でした。今回のアップデートでは、画像を見て、いくつかの畳み込みニューラルネットワーク(Convolutional Neural Networks:CNN)に学習させることよって、シーンに応じた物理的なライティングを実際に再現しました。」
デジタルで描かれた部屋と家具は、写真の背景画像とProject Felixの自動ライトマッチングに基づいて光が当てられています。(画像:Vladimir Petkovic)
ほとんどの人は畳み込みニューラルネットワークの専門家ではなく、それが何を意味するかもわからないでしょう。しかし、この技術がもたらすメリットは誰でも理解できます。Project Felixのライティングツールは、そのシーンに存在するオブジェクトに光がどのようにあたるかをより正確に再現することで、画像全体の写実性を高めます。アドビのProject Felixアートディレクターであるジャスティン パットン(Justin Patton)は、この機能は多種多様なかたちで役に立つと考えています。
Project Felixのシニアエクスペリエンスデザイナーであるタイラー ラフレニエール(Tyler Lafreniere)は、ブックマークのようなツールの必要性を開発初期から予想していました。ユーザーの皆様からの要望をもとに、最新のProject Felixにこの機能を組み込みました。
カメラビューのブックマークは、同じシーンの複数のショットの保存に使用されます。デザイナーは、簡単に目的のショットに戻って画像をアップデートし、レンダリングできます。(画像:Justin Patton)
Project Felixでの新しいアートの作成
Project Felixのユーザーの皆様に、今回のアップデートを提供できることを喜ばしく思っています。意見交換やインタビューにご協力いただいたすべてのユーザーに感謝します。皆様のフィードバックがデザインの原動力になっています。Project Felixを初めてご利用になる方も、ユーザーフォーラムで作品やご意見をぜひお寄せください。
アレックス フィッシャー(Alex Fischer)は、フロントエンドエンジニアとしてデザインとプログラミングの間のギャップを埋める役割を担っており、ユーザーエクスペリエンスの開発に深く携わっています。アレックスは次のように述べています。「私たちはフォーラムを常に確認しています。ユーザーの皆様の意見に注目して、ユーザーが何を求めているかに基づいて製品を開発しています。製品は私たちチームとユーザーの皆様の協業の結果、生み出されています。」
鮮やかな色で描かれたボトルによる街の抽象的な風景画。ライティングによって楽しいシーンにリアリティを与えています。(画像:Vladimir Petkovic)
ユーザーの皆様はすでにProject Felixで素晴らしいデザインを生み出しています。最新のアップデートでどのような作品が制作されるか楽しみにしています。最後にジャスティンからのメッセージです。
「3Dは遊び場のようなものです。オブジェクトと素材のすべては相互に影響し合います。最初は思いもしなかったような、新しく興味深いものに何度も出会うことでしょう。Project Felix 0.3では、数多くの実験と新たな発見の機会が提供できると考えています。新たなアートが生まれ始めているのだと思います。だからこそ、私たちは私たちがなすべきことを行っていきます。」
ヘッダー画像: Justin Patton
この記事は、2017/7/19(米国時間)に投稿されたProject Felix 0.3: 3-D Compositing Made Even Easierを翻訳したものです。